Inhaltlich habe ich auch schon Reinfälle erlebt, so waren diese Rätsel-Bücher wie Hen Na E - Seltsame Bilder vom Youtuber Uketsu leider überhaupt nichts für mich. Trotzdem noch genug Lust auf übersetzte japanische Literatur, um in den nächsten Zug nach Tokyo zu steigen und diesen verhältnismäßig alten Roman zu lesen. Immerhin erscheint er erstmals in Deutschland, 33 Jahre nachdem er den Grundstein für die Karriere von Tokuro Nukui gelegt hat.

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Die Erzählung ist dicht, das Tempo langsam. Der Roman lässt sich viel Zeit, um sich wie eine Welle aufzubauen. Ich habe leider sehr lange gebraucht, um in einen Lesefluss zu kommen, da der Roman sehr konsequent zwischen den beiden Erzählsträngen hin und her wechselt. Momentan kann ich mir nicht so viel Lesezeit wie üblich einräumen, sodass mich diese Wechsel, besonders im ersten Drittel, Überwindung gekostet haben, da Tokuro Nukui sich ausreichend Zeit nimmt, um alles einzuführen. Ich vermag nicht zu beurteilen, ob er für einen Thriller besonders langsam erzählt hat oder es meiner besonderen Situation geschuldet ist, jedoch kommt bei mir erst im letzten Drittel echtes Pageturner-Feeling auf. Bei einigen Erklärungen ging es sogar so weit, dass ich fast schon echte Wut gegen einige der Protagonisten empfand.

Der Hintergrund ist leicht erklärt und etwas, das Bücher wie dieses so wertvoll macht: Wir bekommen tiefe Einblicke in die kulturellen Besonderheiten und die Gesellschaft Japans. So ist der Polizei-Apparat streng aufgeteilt, zwischen Karrierebeamten und Nichtkarrierebeamten. Ich weiß nicht, ob dies 30 Jahre später immer noch der Fall ist, doch dies, gepaart mit den uns bereits bekannten Zwängen, in jeder Situation das Gesicht zu wahren, hat mich gegen sich aufgebracht. Denn diese Zwänge, durch feinpolitische und familiäre Verpflichtungen, zwingen Personen zu bestimmtem Handeln. Und die Sprache, für die Heike Paschke ganz offensichtlich eine gute Übersetzung gefunden hat, lässt mich diese Zwänge als Leser fühlen und miterleben. Genauso wie die Trauer, die der andere Protagonist erlebt, für die er sein Heil in den neu aufkeimenden Religionen in Japan sucht.

Die Geschichte selbst, erfüllt die Kriterien eines modernen Thrillers, so dicht und unerwartet ist sie erzählt. Ich bin in meiner Einschätzung gefangen zwischen Liebe zum Detail und Langatmigkeit. Vielleicht gepaart mit dem deutschen Unverständnis für das Gesellschaftssystem Japans und deren Folgen, kommt es zu einem schwachen ersten Drittel. Nach der Hälfte rechnete ich eigentlich damit, hier ein unterdurchschnittliches Buch zu präsentieren. Das Erlebnis wird jedoch durch das hervorragende Ende stark geändert und ich verlasse die Geschichte mit einer gewissen Achtung vor dem Autor.

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Die Geschichte ist so simpel wie der Ablauf des Films. Zunächst wird uns die heile Welt gezeigt, bevor sie dann in das andere Szenario verpflanzt wird. Neu ist das Konzept nicht wirklich und der Film letztlich auch nicht herausragend, weil er die Dinge, die er anspielt, letztlich nicht konsequent genug groß macht. So ist es schön, mal zu sehen, wie nicht nur eine oder eine Gruppe von Personen in ein anderes Setting gesetzt werden, sondern ein ganzes Viertel. Allerdings wird das fast nie angespielt, weil der Fokus nur auf unserer Familie liegt. Das ist eine Entscheidung, doch genauso gut hätten sie auf mysteriöse Weise allein sein können und nur die Strukturen mitgereist. Es hätte nahezu keinen Unterschied gemacht.

Gefallen hat mir der Spagat zwischen Eltern-Beziehung und Abenteuer in der „Kindergruppe“. Hier schafft der Film eine Ausgewogenheit und findet in den richtigen Momenten zueinander. Ich war zwar überrascht, dass es im Kino nicht mehr wirkte, doch man merkte, dass der Film sich nur bedingt ernst nehmen wolle, sondern in erster Linie Spaß machen. So waren teilweise Szenen lustig obskur, beispielsweise wenn sich kleine Dinosaurier wie ein Waschbär verhalten oder ein Dino eine Eiskremschnauze hat, weil er den Eiscreme-Wagen für sich entdeckt hat. Aufgrund des langsamen Erzähltempos des Films auf seinen 99 Minuten, war die Taktung jedoch so langsam, dass das Publikum scheinbar nicht mitbekam, wie der Film sich selbst sieht.

Was mich überrascht hat, war, wie blutig dieser Film letztlich für FSK ab 12 Jahren ist. Das ganze Ambiente versprach ein Familienspaß à la Spielberg zu werden. Filmplakate und Trailer ließen sich nur so interpretieren. Am Ende kommt beim Regisseur und Drehbuchautoren von It Follows nun eine Mischung aus angedeutetem Horror und Familienspaß heraus, die manchmal ihr Gewaltpacing überschreitet. Ich würde wohl nicht mit einem Kind hingehen.

Nostalgie funktioniert in diesem Mix überraschend gut, auch wenn sich kein konkretes Produkt anspielen lässt, wie zum Beispiel Marvel oder andere Franchises es tun. Ich für meinen Teil hatte einen guten, wohligen 80er-Vibe, und das, obwohl ich einen Großteil meiner aufnahmefähigen Kindheit in den 90ern verbrachte. Aber was lief dort im Fernsehen? Na klar, die Wiederholung oder Premieren der 80er. Einen Stranger-Things-artigen Hype werden wir jedoch hier nicht erwarten können.

Auch der hoch antizipierte The Fantastic Four: First Steps ließ mich mit einem Gefühl von „Ist doch alles egal, was hier passiert“ zurück. Einzig Spider-Man hat mich durch wirklich alle Ausprägungen begleitet. Müsste ich einen Spider-Man wählen, könnte ich es vermutlich nicht, auch wenn Tom Hollands Inkarnation lange brauchte und sich verrückterweise erst mit dem dritten Teil, in dem es zum Zusammentreffen mit allen vorherigen Spider-Man kommt, so etwas wie eine Emanzipation von anderen Figuren und den Rest des MCU hinbekommen hat.

Spider-Man ist derzeit Marvels letztes großes Zugpferd, das bestätigt sich auch in den Besucherzahlen. Allen Unkenrufen zum Trotz, dass Comicverfilmungen im Kino tot sind, lockt die menschliche Spinne mit ihrem vierten (!) Abenteuer die Massen ins Kino.

Ab hier versuche ich es weiter so spoilerfrei wie möglich zu halten. Doch ich spreche über Figuren, die du z.B. im Trailer gesehen hast oder auf einem der Filmplakate. Echte Twists oder Enthüllungen werde ich nicht verraten.

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Die gute Nachricht zuerst: Ich habe es nicht bereut, ins Kino gegangen zu sein. Die 145 Minuten fühlten sich extrem kurzweilig an. Das hat verschiedene Gründe.

Der Humor und die Dynamik sind sehr fein abgestimmt auf die artistische Figur Spider-Man. Besonders die Dynamik der Kamera gefällt mir hier von allen Teilen am besten. Generell habe ich das Gefühl, dass der Look der Farbgebung am nächsten dran ist, an dem realistischen Look der Tobey-Maguire-Trilogie, dabei jedoch genug von seiner MCU-Identität behält.

Im Vorfeld gab es die Sorge, dass wir hier ein weiteres Spider-Man 3 bekommen, das leider einfach viel zu überladen mit Bösewichten war. An dieser Stelle kann ich beruhigen. Der Film hat einen wunderbaren Fokus auf die Geschichte, nichts fühlt sich aus meiner Sicht überladen an. Auch die Nebenfiguren, wie der Punisher, fügen sich extrem organisch in den Film ein.
Ich liebte ihn bereits, als er mit Daredevil interagierte, allerdings muss ich sagen, dass der Kontrast und die Spannung zwischen Spider-Man und ihm noch einmal deutlicher werden. Ich hatte mich wirklich gefragt, wie sie den harten Frank Castle ein paar Oktaven gewaltfreier machen wollen, damit er in einen Spider-Man-Film passt. Doch zu meiner Überraschung ist es gelungen, ohne dass ich das Gefühl hatte, dass die Figur in ihrem Sein beschnitten wurde.

Es ist einer der wenigen MCU‑Filme der Neuzeit, bei denen alle Puzzleteile zu stimmen scheinen. Wir haben hier einen wunderbaren Comic-Action-Film, bei dem die Figuren comichafte, cartoonige Dinge tun können und wir gleichzeitig Erzählstränge über Verlust und die Angst davor, was man wird, wenn man sich verändert, geliefert bekommen. Welche Figuren hätte Marvel da Spider-Man besser an die Seite stellen können als den Punisher und Hulk?

Einziger Wermutstropfen: Auch wenn sich diese Themen tief durch die DNA des Films ziehen, werden sie teilweise nur angerissen. Doch vielleicht ist es auch gut, wenn uns nicht zum hundertsten Mal eine MCU-Figur in aller Tiefe erklärt wird. Man darf davon ausgehen, dass man mindestens 3 Spider-Man-Filme gesehen hat, wenn man in den vierten geht. Das reicht, um zu verstehen, was nötig ist, selbst wenn einem die Nebenfiguren nicht vertraut sind.

Spider-Man ist Marvels Zugpferd, ausgerechnet eines, das unter dem Label von Sony reitet, doch es gibt gleichzeitig die Hoffnung, dass er ein Ausblick darauf ist, was in Doomsday passiert.

Unabhängig davon liegen Musicals im Trend. Und nach dem jetzt bereits Fack ju Göhte ausgewertet und immer noch läuft, ist es kein Wunder, dass dieser Trend vor wirklich nichts Halt macht. Auch nicht vor einem meiner Lieblingsfilme, bei dem ich eine Musical-Auswertung nicht kommen sah. Es ist jedoch nicht der erste Film, den ich mag, der zum Musical geworden ist, bei Moulin Rouge lag der Schritt allerdings deutlich näher.

Wie bringt man nun eine Science-Fiction-Komödie auf die Bühne? Und lässt die Figuren jetzt auch noch singen?

Das erfordert einige Anpassungsarbeit. Zurück in die Zukunft ist sehr verbunden mit dem 80er- und 50er-Jahre-Soundtrack. Musik spielt im Film selbst letztendlich jedoch keine große Rolle. Das bedeutet, dass nahezu alle Musik neu und eigens für das Musical geschrieben werden musste. Zusätzlich waren diverse Anpassungen möglich, um die Geschichte um die Lieder herum zu straffen.

Traurigstes Opfer der Story-Schere: Einstein, Doc Browns zotteliger Labor-Hund und erster Zeitreisender im DeLorean. Weiterhin müssen wir mit einigen Anpassungen klarkommen, die aufgrund der Bühne nötig sind. So hat z.B. Doc Brown in den 80ern schon eine Sprachsteuerung in den Wagen eingebaut, weil wir im Inneren nicht auf das Display der Zeit-Anzeigen schauen können. Das ist aber nicht weniger glaubhaft, als die Zeitmaschine selbst zu bauen…

Eine weitere Anpassung betrifft den Humor der Geschichte. Eigentlich gefiel er mir im Film immer sehr gut. Im Musical wird er noch um einiges stumpfer und um einige platte Gags erweitert. Vielleicht um auf ein noch kleines Publikum einzugehen, denn obwohl der Film eine FSK 12 Freigabe hatte, sah ich viele Kinder mit Sitzschale im Publikum, die trotz dieser Erhöhung kaum an den Köpfen der Erwachsenen vor ihnen vorbeisehen konnten. Das ist aus meiner Sicht schwierig, denn letztlich handelt die launige Komödie auch von dem Thema, dass die eigene Mutter sich in den durch die Zeitreise Sohn im gleichen Alter verliebt. Können das Kinder unter 12 Jahren wirklich schon erfassen und verarbeiten?

Auf der Haben-Seite ist auch ein großartiges Bühnenbild. Hier wird geschickt mit Projektionen und realen Bühnenelementen gearbeitet, um uns die 30 Jahre Zeitunterschied zu zeigen, aber auch genügend Varianz in der Bühne zu haben. Szenen, in denen uns gezeigt wird, dass der DeLorean auf der Bühne schnell fährt, und generell die Darstellung der Zeitreise haben mich unglaublich abgeholt. Besonders ein Szenario am Ende hat mich staunen lassen. Es ist und bleibt einfach beeindruckend, was für technische Wunder moderne Musicals mittlerweile auf die Beine stellen

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Leider hat mich die Musik nicht so abgeholt. Ich weiß nicht, ob es an der deutschen Übersetzung liegt, die von dem sehr erfahrenen Heiko Wohlgemuth stammt, oder an dem Ausgangsmaterial. Ich vermute Letzteres, denn Wohlgemuth ist in der Hamburger Theaterszene kein Unbekannter, und das zu Recht. Doch was soll er als Übersetzer machen? Er kann sich nur an das Material im Original halten.

Der Cast wiederum hat mir sehr gefallen. Es ist immer schwer, gute Sänger zu finden. Noch schwerer wird es, wenn sie auch noch den Geist der Figur treffen müssen. Für mich ist eine gute Gesangsleistung wichtiger als die Tatsache, dass sie Michael J. Fox und Christopher Lloyd möglichst ähnlich sehen, die das beliebte Duo im Original spielen. Zumindest der Cast, den ich in meiner Vorstellung gesehen habe, trifft den Geist und die Energie des Originals.
Schön und irritierend zugleich war Elton auf der Bühne zu sehen. Dieser gibt sich in ein paar Terminen die Ehre als der Schuldirektor Strickland und spielt seine gut, mit schönem Timing und ohne Gesang. Auf der Webseite wird er zwar als großer Fan verkauft, aber am Ende wissen wir: Es geht darum, das Haus vollzumachen, er taucht immerhin nur mittwochs und donnerstags in den Vorstellungen auf.

Merchandise darf heute auch nicht fehlen. Ein paar T-Shirts gefielen mir vom Design her ganz gut, waren leider nicht in großen Größen verfügbar. Auffällig viel Merchandise wirkte eher wie von unseriösen Händlern, die ohne Lizenz ein paar Euro mitverdienen wollen. Aufkleber: Ein Blatt für 9 Euro mit vier lieblos gestalteten Motiven. Ein Kaffeebecher, der nicht weiß, ob er eine schlechte Comic-Version von irgendetwas sein möchte. Ausgerechnet bei einer so lang existierenden Marke, die so viele Möglichkeiten bietet, sieht alles so lieblos aus. Für einen schnellen Cashgrab ist das Musical selbst dann aber doch zu aufwendig geraten. Wer will, kann im amerikanischen Fanshop mal einen Blick werfen.1

Vor nichts macht der Musical-Trend Halt. Nicht vor meinen Lieblingsfilmen, nicht vor 30 Jahren Zeitunterschied auf offener Bühne und, wie sich zeigt, auch nicht vor Elton.

Das freut mich, weil dem Film vor Erscheinen schon online unglaublich viel Negativität entgegenschlug. Mal ging es darum, dass Elliot Page, der mal Elli Page war, angeblich Achilles spielt und mit Brad Pitt verglichen wurde, mal ging es überhaupt nur darum, dass er im Film mitspielt. Aber auch, dass wir eine farbige Schauspielerin haben, die Helena spielt, wurde bereits im Vorfeld kontrovers diskutiert. Da war schon fast weniger Thema, dass überraschend wenig Schauspieler des Casts Griechen sind. Obendrauf kam dann noch, dass der Film in Europa auf ganzen vier Leinwänden so laufen kann, wie Nolan ihn selbst gedreht hat. Keine davon steht in Deutschland. Insgesamt läuft der Film in sechs verschiedenen Bildformaten. Allein die Frage nach den Bildformaten dürfte den durchschnittlichen Kinozuschauer überraschen. Falls du mal dir das mal ansehen willst, wie sich so etwas auswirkt: Die Webseite vom Film zeigt den Trailer in allen Formaten, du kannst so viel hin und herschalten, wie du magst.1

Was also hält ein Film, der im Vorfeld mit so vielen Themen diskutiert wurde, wirklich aus? Was verspricht er?

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Er hält definitiv, was er verspricht. Natürlich ist die Geschichte an sich nicht neu. Doch sie ist eine moderne Interpretation. Bisher war die Geschichte eine, die fragte, was passiert, wenn aus Erfolg Hybris wird. Jetzt wird gefragt, was passiert, wenn wir unsere Menschlichkeit verlieren. Nolan hat dazu wenige Eingriffe in die Geschichte gemacht, die aus meiner Sicht moderner sind und damit auch eine Linie zur aktuellen Zeit ziehen lässt.

Wie auch in den vergangenen Nolan-Filmen kann dieser angesehen werden und man wird einfach gut unterhalten. Doch wer möchte, ist auch sehr eingeladen, über die Vielschichtigkeit des Films zu sprechen. Das ist, was einen guten Film von einem großartigen unterscheidet.

Matt Damon spielt so gut, wie seit Good Will Hunting nicht mehr und ist für mich die ideale Wahl für den modernen, gebrochenen Odysseus. Generell ist das Casting gut geraten. Wer die Schauspieler auf Promotour verfolgt hat, wird festgestellt haben, dass alle vom bloßen Dabeisein sprechen, als wäre es ein Ritterschlag. Nicht zu Unrecht. Nolan versammelt immer einen ausgezeichneten Cast. Auch Robert Pattinson beweist wieder, dass in ihm so viel Schauspieler steckt, dass wir alle vergessen sollten, dass er jemals ein glitzernder Vampir war.

Die Entscheidung, Elliot Page in der Rolle eines Soldaten im Kampf um Troja zu besetzen, macht Nolan für mich nur sympathischer. Er war schon immer dafür bekannt, an Schauspielern, mit denen er bereits gearbeitet hat, festzuhalten. Schön, dass da auch ein Geschlechterwechsel keine Relevanz hat. Die Rolle ist jedoch kleiner, als sie der ganzen Aufmerksamkeit im Internet wert ist.

Interessanter ist es, da Lupita Nyong'o als Helena zu besetzen. Näher betrachtet ergibt jedoch diese Entscheidung mehr als nur Sinn. Immer wieder wird Helena als die außergewöhnlichste Schönheit im Lande beschrieben. Welche Frau wäre wohl außergewöhnlicher gewesen als eine farbige Königin? Immerhin gab es bereits im antiken Griechenland Sklaverei und das schloss auch Sklaven aus dem afrikanischen Kontinent ein. Es wäre also nicht unmöglich. Das würde Helena doppelt außergewöhnlich machen.

Handwerklich ist der Film grandios. Das liegt nicht zuletzt auch an der typischen Bildsprache für Nolan, jedoch auch an dem brachialen Soundtrack von Ludwig Göransson, der ebenfalls wiederholt mit Nolan zusammenarbeitet. Es entsteht der Eindruck eines Projektes unter Freunden.

Neben den Fragen der historischen Genauigkeit, gibt es noch eine Frage. Auf wessen Odyssee basiert der Film überhaupt? Die Odyssee wurde etwa 800 bis 700 Jahre vor der Zeitenwende von Homer erzählt. Sie beschreibt Ereignisse, die etwa 500 Jahre zuvor geschehen sein sollen (Riesen und Zyklopen… bitte nicht vergessen). Erstmals schriftlich notiert wurden die Texte etwa 200 Jahre vor der Zeitenwende, also gut 500 Jahre nach dem ersten Erzählen. Wer einmal stille Post gespielt hat, wird wissen, wie viel Geschichte sich verändert hat und wie viel neu interpretiert wurde. Und jetzt kommen wir, gut 2.800 Jahre nach dem ersten Erzählen der Geschichte. Nichts muss hier historisch akkurat sein. Nolans moderne Erzählung der über 3.000 Jahre zurückliegenden Fantasie-Ereignisse ist ein Spiegel unserer Gesellschaft. Nicht zuletzt, weil er sich dabei auf eine moderne Übersetzung stützt. Diese erschien von Emily Wilson im Jahr 2017 und sie entschied sich bewusst, einige Stellen anders zu übersetzen. Das zeigt einmal mehr, wie viel Einfluss Menschen, die die Texte übersetzen, auf das haben, was wir überliefert bekommen.

Ich glaube, Wilsons und Nolans Version ist die richtige für unsere Zeit. Und ich freue mich für beide, dass sie hier die Menschen in Scharen anziehen. Nolans Film, der ein Erfolg zu werden scheint, und allen voran Wilsons Übersetzung, die ebenfalls gerade die Charts anführt.

Was du hier findest

Hier findest du eine Übersicht meiner Kritiken aus 2026. Einige sind als Post und einige als Notes veröffentlicht worden. Du kannst immer auf den Titel klicken und kommst dann zur vollständigen Kritik.

Der Aufbau ist immer: Titel (ggf. Buchautor) / Umfang / Medium der Kritik.

Der Monat August

The Long Walk - Todesmarsch (2025) / Note-Kritik / Film

The End of Oak Street (2206) / Post-Kritik / Film

F1 - Der Film (2025) / Note-Kritik / Film

Spider-Man: Brand New Day (2026) / Post-Kritik / Film

Zurück in die Zukunft - Das Musical (2026, Hamburg) / Post-Kritik / Musical

Der Monat Juli

Ein ganzes Leben (2014) / Note-Kritik / Buch

The Odyssey (2026) / Post-Kritik / Film

Der stille Freund (2025) von Ferdinand von Schirach / Note-Kritik / Buch

Ins fahle Herz des Sommers (2026) von Andreas Eschbach / Post-Kritik / Buch

The Piano Tuner (2025) / Post-Kritik / Film

Träume aus Feuer (2026) von Florian Ilies / Post-Kritik / Buch

Supergirl (2026) / Post-Kritik / Film

Backrooms (2026) / Post-Kritik / Film

Der Monat Juni

The Death of Robin Hood (2026) / Post-Kritik / Film

Star Wars: The Mandalorian & Grogu (2026) / Post-Kritik / Film

Regeln für einen Ritter (2016) / Post-Kritik / Buch

Disclosure Day - Der Tag der Wahrheit (2026) / Post-Kritik / Film

Die Straße (2026) / Post-Kritik / Film

Masters of the Universe (2026) / Post-Kritik / Film

Der Monat Mai

Asa (2025) / Post-Kritik / Buch

Verflucht Normal (2025) / Post-Kritik / Film

Normal (2025) / Post-Kritik / Film

Mortal Kombat II (2026) / Post-Kritik / Film

Der Monat April

Der Buchhändler von Gaza (2026) / Post-Kritik / Buch

Das Drama (2026) / Post-Kritik / Film

Hoffnungslos Optimistisch (2025) / Post-Kritik / Buch

How to Make a Killing (2026) / Post-Kritik / Film

Schwarzer September (2026) / Post-Kritik / Buch

Das Leben fing im Sommer an (2026) / Post-Kritik / Buch

Good Luck, Have Fun, Don’t Die (2025) / Post-Kritik / Film

Der Monat März

They Will Kill You (2026) / Post-Kritik / Film

Bugonia (2025) / Post-Kritik / Film

Der Astronaut - Project Hail Mary (2026) / Post-Kritik / Film

Der letzte Sommer der Tauben (2026) / Post-Kritik / Film

Ein Grund, warum er mir noch sympathisch ist, ist, dass seine Bibliografie sich so liest, als würde er gerne nachdenken. Und dann packt ihn ein Thema und es muss ein Buch daraus werden. Auch wieder etwas, das wirkt wie bei uns hier, manchmal muss das Thema dann einfach über die Tastatur raus aus dem Kopf. In diesem Jahr gibt es sogar zwei Bücher von Eschbach und beide im Groben zum gleichen Thema. Bevor im Herbst Novembersommer erscheint, der „den Klimawandel und die Grenzen des Geo-Engineerings“ behandelt, ist vor einiger Zeit Ins fahle Herz des Sommers erschienen. Eine für Eschbachs Verhältnisse eher kurze 240-Seiten-Geschichte.

In diesem Buch haben wir den Kampf gegen die Klimakrise verloren. Und wie jede gute Science-Fiction ist das, was Eschbach hier schreibt, nah. Ich las das Buch am letzten Juniwochenende 2026. Wieder fielen Hitzerekorde und hunderte Menschen starben. Hier und jetzt fühlt sich Eschbachs Dystopie real an. Fausto streift durch eine Welt, die verbrennt. Das fühlt sich an wie Endzeit, das fühlt sich an wie Mad Max ohne Fetisch und ohne Donnerkuppel. Eindrücklich schildert uns Eschbach in Ins fahle Herz des Sommers die Welt, in der wir uns aufhalten, sowohl tags als auch nachts, mit einer sehr visuellen Sprache. Ich spüre die Hitze förmlich mit, wenn Fausto sich am Tag zwischen den Häusern seiner Nachbarschaft bewegt, um sich mit den wenigen Menschen zu treffen, die es noch gibt, die nicht in den Norden geflohen sind. Aber ich spüre auch die Einsamkeit und die Leere, wenn er sich nachts beleuchtet durch den hellen Vollmond auf seinen Streifzügen durch die Gassen bewegt.

Wir haben die Zeichen gesehen, wir haben sie als Menschheit ignoriert. Eschbachs Roman stellt uns die Frage, was von unserer Menschlichkeit übrig bleibt. Dabei geht er in den Kern, den hervorragende Science-Fiction für mich ausmacht. Er sieht ein aktuelles Problem, richtet seinen Blick in die Zukunft und wirft den Zeitraffer an, um sie schnell ablaufen zu lassen, und setzt uns an einem der möglichen Punkte aus, die wir erreichen könnten. Werden wir solidarisch werden? Werden wir uns unterstützen? Werden wir uns als Menschen verändern? Bisher hat der Mensch seine Umgebung geformt und sich diese zunutze gemacht. Werden wir uns jetzt an unsere Umgebung anpassen?

Eschbach liefert uns dabei keine Antworten, er hält uns mit seiner Geschichte in der Schwebe des Mysteriösen und aktiviert dabei unsere eigenen Gedanken. Vielleicht um uns auf unsere Zukunft vorzubereiten, möge sie fernliegen oder in seinem Roman im September.

Der Trailer schafft es direkt, mir ein Gefühl zu vermitteln, dass ich den Film sehen wollte.

Gleich zu Beginn des Films etabliert sich die gute Beziehung zwischen Harry und Niki. Und besonders Dustin Hoffmann dürfte Spaß an dieser Rolle gehabt haben, denn immer wieder kommt bei seinen kleinen Witzen das Lächeln des jungen Hoffmann durch. Selten war eine Figur, die einfach existiert, damit die Hauptfigur etwas tun muss, so sympathisch ausgearbeitet wie Harry Horowitz. Generell sind die Dialoge und Figuren liebevoll ausgearbeitet, sodass sie nie hinter der Heist-Movie-Storyline zurückfallen.

Generell gelingt es Daniel Roher, die Storylines gut zu verknüpfen. Da ist einmal die Liebe zwischen der aufstrebenden Pianistin Ruthie und Niki, die sich ganz natürlich bei der Arbeit kennenlernen. Dazu die quasi familiäre Bindung zwischen Niki, Harry und dessen Frau. Und schließlich die Einbrüche, über die Niki in die klassischen Heist-Movie-Elemente hineinrutscht.

Und ja, die Geschichte klingt abstrus, wenn jemand mit Hyperakusis, also Überempfindlichkeit gegen Schall, in so ein Szenario geschmissen wird. Zusätzlich gibt ihm Roher noch das perfekte Gehör und eine aufgrund seiner Krankheit zerstörten, vermutlich sonst glorreichen Zukunft. Das ist für mich besonders überraschend, da Roher zuvor für herausragende Dokumentarfilme bekannt war. Hier hätte ich ein wenig mehr Hang zum Realismus erwartet. Der Weg zu diesem Film war für ihn jedoch kein leichter. Nachdem er mit der Dokumentation Navalny einen Oscar gewonnen hatte, verfiel er aufgrund des Druckes in eine Schreibblockade. Das Genre zu wechseln und sich selbst in eine Figur zu spiegeln, die alles Talent verloren hat, klingt da als folgerichtige Medizin für sich selbst. Dabei hat er es, wie beschrieben, geschafft, sehr liebevolle Figuren zu gestalten. Da kann ich es verschmerzen, dass das Pacing und Intensität an einigen Stellen ein wenig aus der Optimallinie fallen.

Und bei aller Freude über diesen Film, muss ich Krankheiten/Behinderung als Superkraft aufbringen. Diese stellen aus meiner Sicht schnell eine besondere Form von Ableismus dar, wenn sie Dinge nicht so erzählen, dass es um eine besondere Perspektive geht, sondern die Behinderung als Superkraft per se gesetzt wird. The Piano Tuner reitet hierbei auf der Rasierklinge. Zum einen ist die Krankheit eine Superkraft die zum Safeknacken genutzt wird, auf der anderen Seite wird sie von Niki durchweg als Qual wahrgenommen, die ihm alles genommen hat, was ihm lieb war. Anders als zum Beispiel Serien wie The Good Doctor oder Filme wie ironischerweise Rain Man mit Dustin Hoffman, welche die negativen Aspekte eher klein, als eine Art Feigenblatt nutzen.

Der Film hat mir im Kino trotz der für mich unglaubwürdigen Nutzung der Krankheit unglaublich viel Spaß gemacht. Das generiert sich für mich allein bereits aus der Tatsache, dass wir hier mal wieder etwas Frisches sehen und vor allem auch hören. Erwartbar spielt das Sounddesign hier eine größere Rolle und immer wieder wechseln die Szenen tonal die Ebene ohne dabei überzeichnet zu wirken. In vielen Momenten wechseln wir von Nikis Geräuschkulisse und wieder zurück auf die normale Kulisse. Dabei wirkt das Design nie übertrieben. Das liegt nicht zuletzt an Jonnie Burn, der bereits für die Tonkulisse von The Zone of Interest verantwortlich war.

Trotz allem schwingt bei mir immer wieder der Gedanke mit, wie unglaubwürdig die Prämisse mit der Hyperakusis eigentlich ist. Am Ende konnte ich sie dennoch akzeptieren, weil der Film diesen Aspekt differenziert genug erzählt. Als das Licht im Kino anging, hatte ich jedenfalls das Gefühl, gut unterhalten worden zu sein, und das, obwohl mir erst später bewusst wurde, wie viel Interpretationsspielraum das Ende eigentlich offenlässt. Das merkte ich erst richtig, als ich mit meiner Partnerin danach noch lange darüber diskutierte. Ein guter Film wirkt nach.

Die Alchemie hat mich schon immer fasziniert. Zusätzlich befeuert hat meine Lust auf den Titel noch, dass ich dachte ich kenne die zentrale Figur aus einer Episode des Podcasts Geschichten aus der Geschichte1. Doch ich war einem Irrtum aufgesessen. Zum Glück ist die Geschichte hier nicht minder spannend und bietet geradezu Game-of-Thrones-hafte Intrigen.

Kunckel ist ein Getriebener. Wir begleiten ihn im Rahmen des kurzen Romans an verschiedenen Stationen seines Schaffens am Hof des Kurfürsten. Zu diesem Zeitpunkt hat Kunckel das “Goldmachen”, das sich die meisten Alchemisten zum Ziel gesetzt haben, bereits aufgegeben. Er hat bereits verstanden, dass der Mensch zwar Stoffe “verwandeln” kann, jedoch eher miteinander und nicht einfach aus Blei Gold herstellen kann. Er ist schon eher ein Chemiker als Alchemist. Und vielleicht auch deswegen kann er am Hof seines aktuellen Kurfürsten als Hersteller besonderer Gläser durchstarten. So sehr, dass die anderen Höflinge ihn mit Missgunst betrachten und meiden.

Die Geschichte, die Illies uns hier im Ton fast kumpelhaft erzählt, ist eine dieser klassischen Aufstiegs- und Fallgeschichten. Für mich eine der interessanteren. Ich weiß wenig über diese Zeit in Deutschland und die Gepflogenheiten am Hof. Illies teilt die Zeit des Alchemisten in Brandenburg in fünf Kapitel auf. Dabei wählt er die Titel wie bei dem Suchspiel Blinde Kuh von “Kalt” über “Heiss” bis “Zu Heiss” und schafft damit noch eine weitere Ebene um den Handlungsbogen.Wie auch schon bei Caspar David Friedrich schafft es Illies einen Ausschnitt aus dem Leben zu nehmen, der auch ein Abschnitt in der Wikipedia sein könnte, doch macht ihn mit seinen Ergänzungen so lebendig, dass ich ihn einfach aufsaugen möchte.

Damals war es ein Maler, jetzt ist es ein Glasmacher. Ich frage mich, wen Illies als Nächstes aus dem Halbdunkel der Geschichte zieht und weiß, dass ich es lesen werde.

Umso schöner, dass Supermans Cousine mit dem neuesten DC-Film-Universum-Neustart mal wieder in die Kinos kommt. Da Superman letztes Jahr bereits einen lockeren, lustigen und bunteren Ansatz für sein Filmuniversum gesetzt hat, verspricht auch Supergirl, leichte Kost zu sein. Trotzdem bin ich auf diesen Film gespannter als auf Superman. Warum? Weil die Figur mehr anbietet. Während Superman behütet auf der Erde bei den Kents aufgewachsen ist, wuchs Kara unter Kryptoniern auf und kam erst als junge Erwachsene zur Erde.

Während ich Supergirl in ihrem Auftritt in Superman nicht sonderlich sympathisch fand, hatte der Trailer eine andere Stimmung in mir aufgebaut. Und das zeigt der Film in den ersten Minuten, denn er unterstreicht den Ton und zeigt, dass Milly Alcock die unerwartet perfekte Wahl für Supergirl ist. Die Version, die uns Alcock gibt, verleiht der Figur auf der Kinoleinwand neue Schattierungen, die dringend nötig sind, wenn diese Figur sinnvoll erzählt werden soll. Ihr Messy-Hair-Look ist dafür genauso wichtig wie die Sonnenbrille, ihr Mantel und die Tatsache, dass wir das Supergirl-Outfit die weitesten Teile des Films nur irgendwo herumliegen sehen.

Supergirl steht immer im Schatten ihres Cousins, besitzt die gleichen Gaben und die gleiche Stärke wie er, doch hat sie den Rucksack von Verlust und Bitterkeit. Was verändert ein anderes Aufwachsen, bei denselben genetischen Voraussetzungen? Die gleiche Veranlagung, die gleiche Hoffnung, das gleiche Symbol werden plötzlich zu einer Last. Dabei fühlt sich Milly Alcock Supergirl an wie Punkrock. Party, um die Welt zu vergessen, das Herz am rechten Fleck.

Und so sehr ich Punkrock und vor allem auch Jason Momoas Auftritt als Lobo in diesem Film liebe, so hat alles hier seine Schwächen. Neben der Tatsache, dass Momoas Make-Up noch eher nach einem Test aussieht, ist seine größte Schwäche, dass seine Figur für die Handlung des Films im Grunde gar keine Rolle spielt.

Eine weitere Schwäche ist der Antagonist. Zunächst möchte ich festhalten, dass ich es liebe, dass es hier nicht um die Rettung der Stadt, der Erde, des Universums oder gar des Multiversums und von Raum und Zeit geht. Doch leider, bleibt der Bösewicht in Supergirl genau das: ein Wicht. All das, was an Potenzial und Tiefe der Figuren vorhanden ist, verlieren wir durch seine geringe Motivation. In der ersten Viertelstunde des Films taucht er auf, tötet die Familie von Ruthye Marye Knoll und kommt nie über weitere Tiefe abseits von „Ich bin böse und tue böse Dinge“ hinaus.
Die Entscheidung, die Bösartigkeit der Antagonisten um das Element des Frauenhandels zu erweitern ist eine weitere solche Schwachstelle. Dieser kam in der Vorlage nicht vor und wurde vom Film hinzugefügt. Allerdings wurde das Thema nur halbherzig angerissen und nicht tiefer fortgeführt, außer um Supergirl noch gefangene Mädchen und Frauen retten zu lassen. Wenn ein Film ein so düsteres, reales Verbrechen einbaut, steht er in der Pflicht, ihm erzählerisches Gewicht zu verleihen. Hier jedoch verkommt der Frauenhandel zu einer bloßen Kulisse, einer „To-Do-Liste“ für die Heldin, die in ein paar Minuten Action abgearbeitet wird. Das nimmt dem Film die Ernsthaftigkeit und degradiert die geretteten Frauen zu reinen Statistinnen für Supergirls Heldin-Moment. Weniger wäre hier deutlich mehr gewesen oder es hätte dem Antagonisten dadurch echte, erschreckende Tiefe gegeben werden müssen.

Die Comic-Vorlage von Tom King war eine tiefgründige, fast philosophische Western-Geschichte im All. Sie wurde oft auch als True Grit im Weltraum bezeichnet. Das Filmdrehbuch scheint davon beim Hinzufügen neuer Elemente jedoch viel zu viel genommen zu haben.

Warner Brothers belegte den Film mit einem Embargo. Das bedeutete, dass Kritiken erst am Tag des Releases im Kino erscheinen durften. Das kann verschiedene Gründe haben. Entweder weil nichts vorab an das potenzielle Publikum dringen soll oder für die Sorge beim Verleih, dass ein Film schlecht ankommt. Bereits wenige Tage nach Release war klar, dass der Film es schwer haben wird. Das ist schade, denn mir gefällt der Film sehr gut. Viel besser als der in meinen Augen deutlich schwächeren Superman Returns aus 2006, der mit 72 % gut bei den Kritikern ankam.

Mir hat Supergirl im Kino trotz der Schwächen mehr Spaß bereitet als der DC-Reboot-Paradefilm Superman, der mit allen möglichen Figuren überladen war. Zusätzlich hat Supergirl mit Craig Gillespie einen Regisseur gewonnen, der mit I, Tonya bereits bewiesen hat, dass er vielschichtige Frauenfiguren erfolgreich einem Publikum erzählen kann. Die Frage ist, haben wir auch wirklich seine Version gesehen? In den Tagen nach dem Release kam immer wieder das Gerücht hoch, das James Gunn sich mehr eingemischt hat als in seiner Rolle üblich. Am Ende werden wir es nicht aufklären können, ein solcher Reinfall wie die 1984 Version ist dieses Supergirl auf jeden Fall nicht. Ich hoffe sie ist trotz der Schwächen gekommen um zu bleiben.

Etwas abschreckend sind für mich mittlerweile Begriffe wie „Internetphänomen“. Da kommen eher Assoziationen mit TikTok in meinen Kopf, und als einer, der nicht in der Bubble steckt, denke ich bei YouTubern auch eher an irgendwelche Influencer, die in ihre Kamera quatschen. Kane Parsons hingegen hat als Kane Pixels auf YouTube SpecialFX-Footage gemacht und mit günstigen Mitteln eine kleine Horror-Serie produziert. Also fasste ich meinen Mut zusammen und ging am Freitagnachmittag um 14:30 Uhr in die „Kindervorstellung“ – hat schon mal jemand darüber nachgedacht, dass der Film in einem fast leeren Kino gruseliger sein könnte? Ich nicht!

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Kane Parsons hat den Backrooms-Mythos nicht erfunden. Er erwachte auf einem Internetboard zum Leben und verbreitete sich dann immer weiter. Bis der damals Sechzehnjährige Anfang 2022 seinen SpecialFX-Kurzfilm The Backrooms (Found Footage) auf YouTube hochlud. Vier Jahre später sitze ich im Kino und betrachte seine erste Regiearbeit, in der Chiwetel Ejiofor (den ich zwar gerne sehe, der jedoch oft ein mittelmäßiges Händchen für seine Filme hat) und Renate Reinsve durch die Backrooms schickt. A24 hat als Produktionsstudio wieder einmal einen guten Job gemacht, ein mutiges Konzept zu nehmen und einen jungen, unerfahrenen Kreativen mit einem Drehbuchautor wie Will Soodik zusammenzubringen. Dieser hat bisher meiner Kenntnis nach nur Serienepisoden geschrieben, sodass Backrooms die Art Sprungbrett ist, die beide für den Weg auf die große Leinwand gut gebrauchen konnten. Der optimale Weg, um den Mythos gemeinsam einem breiteren Publikum verfügbar zu machen.

Und das macht er mit einiger Eleganz. Der Film wird wechselnd aus der Blair-Witch-artigen First-Person-Kamera und der „normalen“ Kino-Kamera aus der Beobachterperspektive erzählt. Beim Blair Witch Project habe ich die wackelnden Bilder noch gehasst, hier werden sie geschickt eingestreut, um die Spannungsebene zu erzeugen, die gebraucht wird. Mit Ejiofor haben wir zudem genau den Darsteller gefunden, der zwischen Wahnsinn und Neugier pendeln kann, ohne unglaubwürdig zu wirken. Ein weiteres Highlight ist die langsame Erzählweise, die den Suspense-Grad so anwachsen lassen kann, um die Anspannung im richtigen Moment auszuspielen.

Im Vorfeld des Films kannte ich den Backrooms-Mythos nicht und hatte mich bewusst nicht mit ihm beschäftigt. Jetzt weiß ich: Der Film liefert Lösungsansätze und damit ein Gerüst, das der Internet-Mythos bewusst offengelassen hatte, für ein Kinopublikum jedoch notwendig sein dürfte. Die damals notwendige Projektionsfläche hat ihn aus meiner Sicht zum Phänomen gemacht, das er geworden ist. Die für den Film hinzugefügten Ebenen runden das Konzept jedoch ab und machen mich mehr als neugierig.

Insgesamt erinnert mich das Konzept an die Filmreihe Cube, auch dort wird der Horror aus abstrakten, unerklärten Raumsystemen erzeugt. Cube war damals eine komplette kanadische Indie-Produktion mit einem Budget von rund 400.000 CAD und musste sowohl Bildsprache als auch Idee völlig neu erfinden und verkaufen. Backrooms ist im Gegensatz dazu eine viel kalkulierbarere Wette als er auf den ersten Blick scheint. Denn dieser bringt einen Vorteil mit, der zugleich eine Bürde ist: Durch die lange Tradition des Internet-Mythos bringt er eine große Anhängerschaft mit ihren Erwartungen mit, durch die Offenheit des Mythos jedoch auch Projektionsfläche für weiteres Erforschen der Backrooms.

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