Der Trailer schafft es direkt, mir ein Gefühl zu vermitteln, dass ich den Film sehen wollte.

Gleich zu Beginn des Films etabliert sich die gute Beziehung zwischen Harry und Niki. Und besonders Dustin Hoffmann dürfte Spaß an dieser Rolle gehabt haben, denn immer wieder kommt bei seinen kleinen Witzen das Lächeln des jungen Hoffmann durch. Selten war eine Figur, die einfach existiert, damit die Hauptfigur etwas tun muss, so sympathisch ausgearbeitet wie Harry Horowitz. Generell sind die Dialoge und Figuren liebevoll ausgearbeitet, sodass sie nie hinter der Heist-Movie-Storyline zurückfallen.

Generell gelingt es Daniel Roher, die Storylines gut zu verknüpfen. Da ist einmal die Liebe zwischen der aufstrebenden Pianistin Ruthie und Niki, die sich ganz natürlich bei der Arbeit kennenlernen. Dazu die quasi familiäre Bindung zwischen Niki, Harry und dessen Frau. Und schließlich die Einbrüche, über die Niki in die klassischen Heist-Movie-Elemente hineinrutscht.

Und ja, die Geschichte klingt abstrus, wenn jemand mit Hyperakusis, also Überempfindlichkeit gegen Schall, in so ein Szenario geschmissen wird. Zusätzlich gibt ihm Roher noch das perfekte Gehör und eine aufgrund seiner Krankheit zerstörten, vermutlich sonst glorreichen Zukunft. Das ist für mich besonders überraschend, da Roher zuvor für herausragende Dokumentarfilme bekannt war. Hier hätte ich ein wenig mehr Hang zum Realismus erwartet. Der Weg zu diesem Film war für ihn jedoch kein leichter. Nachdem er mit der Dokumentation Navalny einen Oscar gewonnen hatte, verfiel er aufgrund des Druckes in eine Schreibblockade. Das Genre zu wechseln und sich selbst in eine Figur zu spiegeln, die alles Talent verloren hat, klingt da als folgerichtige Medizin für sich selbst. Dabei hat er es, wie beschrieben, geschafft, sehr liebevolle Figuren zu gestalten. Da kann ich es verschmerzen, dass das Pacing und Intensität an einigen Stellen ein wenig aus der Optimallinie fallen.

Und bei aller Freude über diesen Film, muss ich Krankheiten/Behinderung als Superkraft aufbringen. Diese stellen aus meiner Sicht schnell eine besondere Form von Ableismus dar, wenn sie Dinge nicht so erzählen, dass es um eine besondere Perspektive geht, sondern die Behinderung als Superkraft per se gesetzt wird. The Piano Tuner reitet hierbei auf der Rasierklinge. Zum einen ist die Krankheit eine Superkraft die zum Safeknacken genutzt wird, auf der anderen Seite wird sie von Niki durchweg als Qual wahrgenommen, die ihm alles genommen hat, was ihm lieb war. Anders als zum Beispiel Serien wie The Good Doctor oder Filme wie ironischerweise Rain Man mit Dustin Hoffman, welche die negativen Aspekte eher klein, als eine Art Feigenblatt nutzen.

Der Film hat mir im Kino trotz der für mich unglaubwürdigen Nutzung der Krankheit unglaublich viel Spaß gemacht. Das generiert sich für mich allein bereits aus der Tatsache, dass wir hier mal wieder etwas Frisches sehen und vor allem auch hören. Erwartbar spielt das Sounddesign hier eine größere Rolle und immer wieder wechseln die Szenen tonal die Ebene ohne dabei überzeichnet zu wirken. In vielen Momenten wechseln wir von Nikis Geräuschkulisse und wieder zurück auf die normale Kulisse. Dabei wirkt das Design nie übertrieben. Das liegt nicht zuletzt an Jonnie Burn, der bereits für die Tonkulisse von The Zone of Interest verantwortlich war.

Trotz allem schwingt bei mir immer wieder der Gedanke mit, wie unglaubwürdig die Prämisse mit der Hyperakusis eigentlich ist. Am Ende konnte ich sie dennoch akzeptieren, weil der Film diesen Aspekt differenziert genug erzählt. Als das Licht im Kino anging, hatte ich jedenfalls das Gefühl, gut unterhalten worden zu sein, und das, obwohl mir erst später bewusst wurde, wie viel Interpretationsspielraum das Ende eigentlich offenlässt. Das merkte ich erst richtig, als ich mit meiner Partnerin danach noch lange darüber diskutierte. Ein guter Film wirkt nach.

Die Alchemie hat mich schon immer fasziniert. Zusätzlich befeuert hat meine Lust auf den Titel noch, dass ich dachte ich kenne die zentrale Figur aus einer Episode des Podcasts Geschichten aus der Geschichte1. Doch ich war einem Irrtum aufgesessen. Zum Glück ist die Geschichte hier nicht minder spannend und bietet geradezu Game-of-Thrones-hafte Intrigen.

Kunckel ist ein Getriebener. Wir begleiten ihn im Rahmen des kurzen Romans an verschiedenen Stationen seines Schaffens am Hof des Kurfürsten. Zu diesem Zeitpunkt hat Kunckel das “Goldmachen”, das sich die meisten Alchemisten zum Ziel gesetzt haben, bereits aufgegeben. Er hat bereits verstanden, dass der Mensch zwar Stoffe “verwandeln” kann, jedoch eher miteinander und nicht einfach aus Blei Gold herstellen kann. Er ist schon eher ein Chemiker als Alchemist. Und vielleicht auch deswegen kann er am Hof seines aktuellen Kurfürsten als Hersteller besonderer Gläser durchstarten. So sehr, dass die anderen Höflinge ihn mit Missgunst betrachten und meiden.

Die Geschichte, die Illies uns hier im Ton fast kumpelhaft erzählt, ist eine dieser klassischen Aufstiegs- und Fallgeschichten. Für mich eine der interessanteren. Ich weiß wenig über diese Zeit in Deutschland und die Gepflogenheiten am Hof. Illies teilt die Zeit des Alchemisten in Brandenburg in fünf Kapitel auf. Dabei wählt er die Titel wie bei dem Suchspiel Blinde Kuh von “Kalt” über “Heiss” bis “Zu Heiss” und schafft damit noch eine weitere Ebene um den Handlungsbogen.Wie auch schon bei Caspar David Friedrich schafft es Illies einen Ausschnitt aus dem Leben zu nehmen, der auch ein Abschnitt in der Wikipedia sein könnte, doch macht ihn mit seinen Ergänzungen so lebendig, dass ich ihn einfach aufsaugen möchte.

Damals war es ein Maler, jetzt ist es ein Glasmacher. Ich frage mich, wen Illies als Nächstes aus dem Halbdunkel der Geschichte zieht und weiß, dass ich es lesen werde.

Umso schöner, dass Supermans Cousine mit dem neuesten DC-Film-Universum-Neustart mal wieder in die Kinos kommt. Da Superman letztes Jahr bereits einen lockeren, lustigen und bunteren Ansatz für sein Filmuniversum gesetzt hat, verspricht auch Supergirl, leichte Kost zu sein. Trotzdem bin ich auf diesen Film gespannter als auf Superman. Warum? Weil die Figur mehr anbietet. Während Superman behütet auf der Erde bei den Kents aufgewachsen ist, wuchs Kara unter Kryptoniern auf und kam erst als junge Erwachsene zur Erde.

Während ich Supergirl in ihrem Auftritt in Superman nicht sonderlich sympathisch fand, hatte der Trailer eine andere Stimmung in mir aufgebaut. Und das zeigt der Film in den ersten Minuten, denn er unterstreicht den Ton und zeigt, dass Milly Alcock die unerwartet perfekte Wahl für Supergirl ist. Die Version, die uns Alcock gibt, verleiht der Figur auf der Kinoleinwand neue Schattierungen, die dringend nötig sind, wenn diese Figur sinnvoll erzählt werden soll. Ihr Messy-Hair-Look ist dafür genauso wichtig wie die Sonnenbrille, ihr Mantel und die Tatsache, dass wir das Supergirl-Outfit die weitesten Teile des Films nur irgendwo herumliegen sehen.

Supergirl steht immer im Schatten ihres Cousins, besitzt die gleichen Gaben und die gleiche Stärke wie er, doch hat sie den Rucksack von Verlust und Bitterkeit. Was verändert ein anderes Aufwachsen, bei denselben genetischen Voraussetzungen? Die gleiche Veranlagung, die gleiche Hoffnung, das gleiche Symbol werden plötzlich zu einer Last. Dabei fühlt sich Milly Alcock Supergirl an wie Punkrock. Party, um die Welt zu vergessen, das Herz am rechten Fleck.

Und so sehr ich Punkrock und vor allem auch Jason Momoas Auftritt als Lobo in diesem Film liebe, so hat alles hier seine Schwächen. Neben der Tatsache, dass Momoas Make-Up noch eher nach einem Test aussieht, ist seine größte Schwäche, dass seine Figur für die Handlung des Films im Grunde gar keine Rolle spielt.

Eine weitere Schwäche ist der Antagonist. Zunächst möchte ich festhalten, dass ich es liebe, dass es hier nicht um die Rettung der Stadt, der Erde, des Universums oder gar des Multiversums und von Raum und Zeit geht. Doch leider, bleibt der Bösewicht in Supergirl genau das: ein Wicht. All das, was an Potenzial und Tiefe der Figuren vorhanden ist, verlieren wir durch seine geringe Motivation. In der ersten Viertelstunde des Films taucht er auf, tötet die Familie von Ruthye Marye Knoll und kommt nie über weitere Tiefe abseits von „Ich bin böse und tue böse Dinge“ hinaus.
Die Entscheidung, die Bösartigkeit der Antagonisten um das Element des Frauenhandels zu erweitern ist eine weitere solche Schwachstelle. Dieser kam in der Vorlage nicht vor und wurde vom Film hinzugefügt. Allerdings wurde das Thema nur halbherzig angerissen und nicht tiefer fortgeführt, außer um Supergirl noch gefangene Mädchen und Frauen retten zu lassen. Wenn ein Film ein so düsteres, reales Verbrechen einbaut, steht er in der Pflicht, ihm erzählerisches Gewicht zu verleihen. Hier jedoch verkommt der Frauenhandel zu einer bloßen Kulisse, einer „To-Do-Liste“ für die Heldin, die in ein paar Minuten Action abgearbeitet wird. Das nimmt dem Film die Ernsthaftigkeit und degradiert die geretteten Frauen zu reinen Statistinnen für Supergirls Heldin-Moment. Weniger wäre hier deutlich mehr gewesen oder es hätte dem Antagonisten dadurch echte, erschreckende Tiefe gegeben werden müssen.

Die Comic-Vorlage von Tom King war eine tiefgründige, fast philosophische Western-Geschichte im All. Sie wurde oft auch als True Grit im Weltraum bezeichnet. Das Filmdrehbuch scheint davon beim Hinzufügen neuer Elemente jedoch viel zu viel genommen zu haben.

Warner Brothers belegte den Film mit einem Embargo. Das bedeutete, dass Kritiken erst am Tag des Releases im Kino erscheinen durften. Das kann verschiedene Gründe haben. Entweder weil nichts vorab an das potenzielle Publikum dringen soll oder für die Sorge beim Verleih, dass ein Film schlecht ankommt. Bereits wenige Tage nach Release war klar, dass der Film es schwer haben wird. Das ist schade, denn mir gefällt der Film sehr gut. Viel besser als der in meinen Augen deutlich schwächeren Superman Returns aus 2006, der mit 72 % gut bei den Kritikern ankam.

Mir hat Supergirl im Kino trotz der Schwächen mehr Spaß bereitet als der DC-Reboot-Paradefilm Superman, der mit allen möglichen Figuren überladen war. Zusätzlich hat Supergirl mit Craig Gillespie einen Regisseur gewonnen, der mit I, Tonya bereits bewiesen hat, dass er vielschichtige Frauenfiguren erfolgreich einem Publikum erzählen kann. Die Frage ist, haben wir auch wirklich seine Version gesehen? In den Tagen nach dem Release kam immer wieder das Gerücht hoch, das James Gunn sich mehr eingemischt hat als in seiner Rolle üblich. Am Ende werden wir es nicht aufklären können, ein solcher Reinfall wie die 1984 Version ist dieses Supergirl auf jeden Fall nicht. Ich hoffe sie ist trotz der Schwächen gekommen um zu bleiben.

Etwas abschreckend sind für mich mittlerweile Begriffe wie „Internetphänomen“. Da kommen eher Assoziationen mit TikTok in meinen Kopf, und als einer, der nicht in der Bubble steckt, denke ich bei YouTubern auch eher an irgendwelche Influencer, die in ihre Kamera quatschen. Kane Parsons hingegen hat als Kane Pixels auf YouTube SpecialFX-Footage gemacht und mit günstigen Mitteln eine kleine Horror-Serie produziert. Also fasste ich meinen Mut zusammen und ging am Freitagnachmittag um 14:30 Uhr in die „Kindervorstellung“ – hat schon mal jemand darüber nachgedacht, dass der Film in einem fast leeren Kino gruseliger sein könnte? Ich nicht!

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Kane Parsons hat den Backrooms-Mythos nicht erfunden. Er erwachte auf einem Internetboard zum Leben und verbreitete sich dann immer weiter. Bis der damals Sechzehnjährige Anfang 2022 seinen SpecialFX-Kurzfilm The Backrooms (Found Footage) auf YouTube hochlud. Vier Jahre später sitze ich im Kino und betrachte seine erste Regiearbeit, in der Chiwetel Ejiofor (den ich zwar gerne sehe, der jedoch oft ein mittelmäßiges Händchen für seine Filme hat) und Renate Reinsve durch die Backrooms schickt. A24 hat als Produktionsstudio wieder einmal einen guten Job gemacht, ein mutiges Konzept zu nehmen und einen jungen, unerfahrenen Kreativen mit einem Drehbuchautor wie Will Soodik zusammenzubringen. Dieser hat bisher meiner Kenntnis nach nur Serienepisoden geschrieben, sodass Backrooms die Art Sprungbrett ist, die beide für den Weg auf die große Leinwand gut gebrauchen konnten. Der optimale Weg, um den Mythos gemeinsam einem breiteren Publikum verfügbar zu machen.

Und das macht er mit einiger Eleganz. Der Film wird wechselnd aus der Blair-Witch-artigen First-Person-Kamera und der „normalen“ Kino-Kamera aus der Beobachterperspektive erzählt. Beim Blair Witch Project habe ich die wackelnden Bilder noch gehasst, hier werden sie geschickt eingestreut, um die Spannungsebene zu erzeugen, die gebraucht wird. Mit Ejiofor haben wir zudem genau den Darsteller gefunden, der zwischen Wahnsinn und Neugier pendeln kann, ohne unglaubwürdig zu wirken. Ein weiteres Highlight ist die langsame Erzählweise, die den Suspense-Grad so anwachsen lassen kann, um die Anspannung im richtigen Moment auszuspielen.

Im Vorfeld des Films kannte ich den Backrooms-Mythos nicht und hatte mich bewusst nicht mit ihm beschäftigt. Jetzt weiß ich: Der Film liefert Lösungsansätze und damit ein Gerüst, das der Internet-Mythos bewusst offengelassen hatte, für ein Kinopublikum jedoch notwendig sein dürfte. Die damals notwendige Projektionsfläche hat ihn aus meiner Sicht zum Phänomen gemacht, das er geworden ist. Die für den Film hinzugefügten Ebenen runden das Konzept jedoch ab und machen mich mehr als neugierig.

Insgesamt erinnert mich das Konzept an die Filmreihe Cube, auch dort wird der Horror aus abstrakten, unerklärten Raumsystemen erzeugt. Cube war damals eine komplette kanadische Indie-Produktion mit einem Budget von rund 400.000 CAD und musste sowohl Bildsprache als auch Idee völlig neu erfinden und verkaufen. Backrooms ist im Gegensatz dazu eine viel kalkulierbarere Wette als er auf den ersten Blick scheint. Denn dieser bringt einen Vorteil mit, der zugleich eine Bürde ist: Durch die lange Tradition des Internet-Mythos bringt er eine große Anhängerschaft mit ihren Erwartungen mit, durch die Offenheit des Mythos jedoch auch Projektionsfläche für weiteres Erforschen der Backrooms.

Und alle musste ich gucken. Von klein auf faszinierte mich die Geschichte der mythischen Räuberbande, die es von den Reichen nimmt und den Armen gibt. Ein wenig das A-Team des Mittelalters. Alle Versionen hatten etwas gemein, egal ob sie fröhlicher oder düsterer waren. Sie erzählten immer den etwa gleichen Ausschnitt derselben Geschichte. Bis zu diesem Zeitpunkt. Jetzt schlüpft Hugh Jackman in die Rolle des Bogenschützen und wir bekommen mit The Death of Robin Hood einen gebrochenen Mann zu sehen, gejagt von seiner Vergangenheit. Ich war so gespannt, ob der Claim Er war kein Held zuviel verspricht.

Robin Hood lebt zurückgezogen und hadert mit einem Leben, das von Gewalt und Verbrechen geprägt war. Sein alter Weggefährte Little John, der sich unter dem Namen Edward eine neue, bürgerliche Existenz mit Frau und Tochter aufgebaut hatte, wird von alten Feinden enttarnt, die daraufhin seine Familie als Geisel nehmen. Robin Hood, müde des Lebens auf der Suche nach einem guten Tod sagt seinem Freund Hilfe zu und zieht mit ihm in den Kampf, um die Familie zu befreien. In dieser Schlacht, die für ihn die letzte sein soll, wird er schließlich schwer verletzt. In diesem Zustand gerät er in die Obhut einer geheimnisvollen Frau, die ihm unerwartet eine Aussicht auf Erlösung von seinen Taten und seiner Schuld bietet.

Wer einen Action- oder Abenteuerfilm sucht, wird unweigerlich enttäuscht werden. Zumindest ging es dem Mann neben mir so, der nach zwanzig Minuten das Kino verließ und erst fünfzehn Minuten vor Schluss wieder auftauchte. Die rohe Gewalt und Action zu Beginn des Films verschwinden schnell in den Hintergrund. Wir benötigen diese grafische Brutalität nur, um für uns einmal einzuordnen, was für einen Robin Hood wir da vor uns haben.

Danach wird es schnell zur Sinnsuche. Im Vorfeld habe ich viel darüber gelesen, dass hier ein weiterer Logan mit Hugh Jackman erscheint. Und ja, ich sehe die Parallele ebenfalls. Der Unterschied ist jedoch, dass wir nicht zig Darstellungen von Jackman mit der gleichen Figur hatten, und die Erzählweise ist auch eine andere. Hier finden wir uns am nächsten an so etwas wie Arthouse-Kino wieder. Weites Land, so roh wirkend, wie die Taten von Robin Hood. Die Leistung in Logan war für Jackman vielleicht leichter, denn er kannte die Figur bereits lange aus nächster Nähe. In Robin Hood zeigt er uns, dass seine Bandbreite als Schauspieler enorm ist. Auch die weiteren Schauspieler, allen voran Jodie Comer, leisten solide Schauspielarbeit.

Leider muss der Cast den gesamten Film auf seinen Schultern tragen. Die Idee des Films ist unglaublich gut. Was, wenn er kein Held wäre? Wie könnte eine Erlösungsgeschichte eines solchen Robin Hoods aussehen? Ist sie überhaupt möglich? Diese Fragen reißt das Drehbuch an, kann sie jedoch nicht beantworten. Das ist bedauerlich, denn die 122 Minuten haben sich teilweise langatmig angefühlt. Würde man diese Stellen kürzen und die Beantwortung der Fragen stärker skizzieren, hätten wir vielleicht ein Meisterwerk gesehen. So reicht es durch die Asynchronität von Schauspiel und Buch bedauerlicherweise nur zu einem durchschnittlichen Film, mit einem frischen Ansatz.

Und auch wenn die bisher letzte und dritte Staffel eher schwach waren freute ich mich schon länger auf den Film. Könnte es doch nach dem großen Durchbruch von Pedro Pascal das letzte Mal sein, dass wir den Mandalorianer zu Gesicht bekommen. Es war also klar, dass ich wieder für Science-Fiction meinen Vater einpacke und es ins Kino geht, diesmal zu The Mandalorian & Grogu.

Der Film begrüßt uns mit einer klassischen Texttafel, die uns die Welt erklärt, jedenfalls wo wir uns befinden. Der Mandalorianer und Grogu unterstützen die Neue Republik, indem sie flüchtige Imperiale aufspüren und möglichst lebendig den Vertretern der Neuen Republik überstellen.
Einer dieser Flüchtigen ist Coyne. Niemand weiß, wie er aussieht oder ob er überhaupt noch lebt. Die Zwillinge, zwei Verwandte von Jabba den Hutten wissen laut Geheimdienstinformationen, wo und wer dieser Coyne ist. Doch bei den Hutten gibt es nichts umsonst, und so muss Mando sich entscheiden, ob er für die Hutten arbeiten will und den entführten Rotta den Hutten finden und zu ihnen bringen will.

Es ist wenig verwunderlich, dass der Film an der Stelle einsteigt, an der uns die Serie zum Ende von Staffel drei verlassen hat. Insgesamt wirkt der Film, als hätte er auch einwandfrei als vierte Staffel funktionieren können. Das liegt unter anderem daran, dass er sich so sektional anfühlt, als könnte man fast den Finger in die Episoden-Trenner legen. Das ist per se nichts Schlechtes, zeigt es doch, wie sehr sich die Produktionswerte von Kino und Serien angenähert haben. Zusätzlich ist es ein Zeichen, dass Disney+ Serien sich nicht nur so anfühlen wie aufgeblähte Filme, da Episoden auch gerne mal 20 Minuten Nettospielzeit zählen und wir jetzt genau den gegenteiligen Effekt haben. Ein Subplot raus, hier und da gestrafft - fertig ist Staffel 4 als Kinofilm. Zusätzlich kommt die Empfehlung den Film vielleicht nicht auf einer IMAX Leinwand zu sehen, der Look der Serie ist nicht Cineastisch genug um die Bilder in diesem Format zu tragen.

Dabei bekommen wir alles, was wir aus der Serie kennen, und nichts Neues außer vereinzelt ein paar Figuren. Mit Sigourney Weaver und Jeremy Allen White bekommt Pedro Pascal prominente Verstärkung und wertet den Film cinematisch auf.. Für White spricht, dass er sich für die Rolle eines eher unattraktiven Wurm-Aliens entschieden hat und damit in dem Jahr so etwas verkörpert, in dem er selbst zum Sexiest Man Alive gekürt wurde. Ein schöner Kontrast der die nötige Selbstironie beweist..

Der große Knalleffekt fürs Kino bleibt allerdings aus. Mein Vater und ich, wir hatten trotzdem auf jeden Fall unseren Spaß. Es muss eben nicht immer High-End-Kino sein, um einen tollen Filmnachmittag zu haben.

Original: The Mandalorian and Grogu
Regie:Jon Favreau
Drehbuch: Jon Favreau, Dave Filoni, Noah Kloor
Laufzeit: 132 Minuten
FSK ab 12 Jahren
Kinostart: 20. Mai 2026
IMDb Wertung 7.0 (13.06.2026)
Kinotrainer in deutscher Sprache

Der Einleitung des Buches nach handelt es sich bei Regeln für einen Ritter um den letzten Brief des Ritters Sir Thomas Lemuel Hawke an seine drei Kinder. Er weiß nicht ob der den nächsten Tag überleben wird, heute wissen wir, dass er in der folgenden Schlacht verstarb. In diesem Brief will der Vater seinen Kindern noch 20 Regeln mitgeben, nach denen sie ihr Leben ausrichten sollen. Zu jeder dieser Regeln gibt er eine kleine Geschichte aus seinem Leben als Ritter beziehungsweise seinem Weg dorthin.
Laut den Anmerkungen von Ethan Hawke hat man den Brief in den 1970er Jahren im Keller der verstorbenen Urgroßmutter gefunden. Ob der Brief echt ist, sei nie abschließend geklärt worden, Sir Thomas, der im Winter 1483 bei einer Schlacht verstarb, sei laut Familienlegende wahrhaftig einer seiner Vorfahren gewesen.
Hawke hat den Brief gemeinsam mit seiner Frau als eine Art Handbuch für Ritter aufgearbeitet. Während Ethan den Text bearbeitete, steuerte Ryan Hawke zu jeder Regel eine Illustration bei.

Ich fühlte mich beim Lesen ein wenig erinnert an Max Hermanns Desiderata1, welches als Gedicht Regeln oder vielmehr Wünsche für ein gutes Leben mitgibt. Und ich kann verstehen, Brief der authentisch ist oder nicht, aus welchem Grund Hawke sich von dieser Form angezogen fühlte. Der Schatz aus der Vergangenheit, der uns eine Richtschnur für unser heutiges Leben geben kann?
Wer sehnt sich denn als Kind nicht nach einer Anleitung für das Leben? Dann auch noch mit interessanten Geschichten. Nur zu leicht lässt sich das Wort Ritter etwa durch “aufrechten Mensch” ersetzen und auf heute beziehen.

Ohnehin wirken die über 540 Jahre alten Ansichten von Hawkes Vorfahren sehr modern. Immer wieder spricht er bei Frauen Themen an, dass dies auch für seine Söhne gilt, als auch andersherum. Zuletzt heißt es bei der Regel für Gleichheit:

Und auch bei diesem Zitat möchte ich zu gern Ritter durch Mensch, Erfinder, Literaten oder irgendwas ersetzen und fühle: Es passt.

Und so geht es mir bei vielen dieser Regeln, manche beherzige ich in meinem Leben. Bei manchen war es mir noch nicht klar, dass ich sie beherzigen möchte. Die Lektüre von Regeln für einen Ritter hat mich in jedem Fall bereichert.

Genauso wie die im Annex befindliche Ballade „Die Ballade vom Hirschen mit dem Vierzig-Ender-Geweih“, in der ein stattlicher Hirsch gegen König Eduard antritt, um die Tiere des Waldes zu retten.

Originaltitel: Rules for a Knight
Autor: Ethan Hawke
Seiten: 162
Erschienen: August 2016
Ausgabe: Gebunden
Verlag: Kiepenheuer & Witsch
ISBN 978-3-462-04933-6
Buch auf der Verlagswebseite: Klick mich

Daniel Kellner ist Cybersecurity-Experte und hat Geheimnisse gestohlen, die er eigentlich verbergen sollte: Beweise für außerirdisches Leben, jahrzehntelang unter Verschluss gehalten. Auf der Flucht vor einem mächtigen Konzern sucht er nach einem Weg, die Wahrheit an die Öffentlichkeit zu bringen. Gleichzeitig erlebt die Fernsehmoderatorin Margaret Fairchild live auf Sendung Phänomene, für die sie keine Erklärung hat.

In der UFO-Community gibt es in der realen Welt schon lange die Hoffnung auf einen Disclosure Day. Zuletzt wurde dieser befeuert, als der aktuelle Präsident der Vereinigten Staaten einen Schwung Dokumente in dieser Richtung veröffentlichte, die so richtig mal wieder niemanden weiter brachten.

Spielberg erschafft in diesem Kontext für uns einen Film, der wenig Unvorhersehbares bietet und hauptsächlich aus einer Jagd quer durch die USA besteht. Wie kann es sein, dass der Film, bei dem nahezu alles klar ist und die wenigen Fragen, die ich als Zuschauer habe, offen bleiben, mich trotzdem mit einem so guten Gefühl zurücklässt? Vielleicht, weil ich einfach Spielbergs-Erzählweise gewohnt bin. Denn er schreit mich nicht laut an mit schnellen Schnitten und lässt die Figuren nicht die Handlung aufsagen. Kino sieht immer noch nach Kino aus.

Einzige Ausnahme bilden da für mich die Tieranimationen, die bereits im Kino wie ein Fremdkörper aussahen. Und das von dem Menschen, der mit Jurassic Park einen Animationsmeilenstein geschaffen hat. Doch dort standen die Dinosaurier im Mittelpunkt, hier tun es die Tiere nicht. Sie sind lediglich eine Randerscheinung. Wirklich wichtig sind nicht einmal die Außerirdischen, sondern wir Menschen.

Und so sehen wir guten Schauspielern dabei zu, wie sie auf das Finale hinsteuern, das die Welt gerade gebrauchen könnte. Es ist nicht laut, sondern leise. Und hat mich vielleicht deswegen so ergriffen.

Disclosure Day wird keiner der Meilensteine auf der Liste von Steven Spielbergs Filmen, keiner, den wir dreißig Jahre später noch besprechen. Vielleicht nicht einmal zehn. Doch hier und heute gibt uns Spielberg die Frage auf: Wiegt es schwerer, die Wahrheit verfügbar zu machen, als die Konsequenz daraus? Stürzt die Welt ins Chaos oder wäre das Wissen um außerirdisches Leben ein weltvereinigendes Ereignis?

Spielberg weiß, wie er diese Frage beantwortet, und ich mag, was das über seine Sicht auf die Welt aussagt.

Original: Disclosure Day
Regie: Steven Spielberg
Drehbuch: Steven Spielberg, David Koepp
Darsteller: Emily Blunt, Josh O’Connor, Colin Firth

Laufzeit: 145 Minuten
FSK ab 12Jahren
Kinostart: 11. Juni 2026
IMDb Wertung 6.9 (13.06.2026)
Kinotrainer in deutscher Sprache bei Kinocheck

Die Straße beschreibt einen Abschnitt von etwa einem Jahr. Die Straße, in der wir uns befinden, ist die Heidestraße, die Planungen für das jährliche Straßenfest stehen an. Es ist eine belebte Straße, mit neuen Leuten, Geschäften, Kneipen, einem Pflegeheim und vielen Anwohnern. Alles, was der Mensch braucht.

In diesem Roman verfolgt Seethaler einen spannenden Ansatz. Wir haben keine handelnde Person, die wir verfolgen, keinen All- oder wenig-wissenden Erzähler. Stattdessen besteht das Buch aus vielen Mosaik-Steinchen, bestehend aus Gedanken, Briefen, Gesprächen, Zeitungsartikeln und allem, in dem ein Mensch „spricht“. Nur selten wird diese Form verlassen, indem eine Handlung beschrieben wird, ohne dass ein Mensch auf der Straße sie beschreibt. Er lässt die Bewohner der Stadt sprechen, immer so, als würden wir zufällig etwas mitbekommen und dann unbemerkt zum Nächsten gehen.

Was im ersten Moment fremd und chaotisch wirkt, fühlt sich schnell durch Seethalers typische Sprache wieder nah und verbunden an. Bereits nach kurzer Zeit ist zu erkennen, dass es in dem Leben der Bewohner einer Straße nicht den einen roten Faden geben kann, sondern viele große und kleine Fädchen. Und so gibt es, zu meiner Überraschung, immer wieder Momente, in denen man Figuren wiedererkennt. Nicht weil sie beschrieben werden, sondern über ihre Geschichten und die Art, wie sie reden. Das ist, aufgrund der Vielzahl der Figuren, die Seethaler in diesem Roman schafft, bemerkenswert, da es so geschieht, dass ich mich als Leser darauf freue, sie wiederzuentdecken, und nicht von ihrer bloßen Anzahl überfordert werde.

Seethalers Bücher stellen für mich eine besondere Form des Eskapismus dar. Sie entführen mich nicht in fremde Realitäten, fernab von der eigenen. Sie befinden sich an einem zeitlich nicht genau zu bestimmenden Ort, der meinem zwar nah, aber doch fern genug ist. Weit genug weg, um neugierig zu sein, nah genug, um mich in etwas wiederzuerkennen.
Wer wäre nicht bereit zu einem Spaziergang durch Die Straße?

Originaltitel: Die Straße
Autor: Robert Seethaler
Erschienen: April 2026
Ausgabe: Hardcover
Verlag: Claasen (Ullstein Buchverlage)
ISBN 9783546100335
Buch auf der Verlagswebseite: Klick mich

Ich hatte also keine Wahl und musste den Film unbedingt sehen. Vielleicht auch ein bisschen in der Hoffnung, dass Mattel auch hier mit Masters of the Universe das schafft, was sie schon mit Barbie erfolgreich getan haben. Und vielleicht auch um die Frage zu beantworten, wie ein Er-Mann mit Muskeln und fast vollständig entblößtem Oberkörper in der Welt von 2026 funktioniert.

Wir befinden uns auf Eternia. Prinz Adam ist zehn Jahre alt und eher schmächtig für sein Alter. Machtlos muss er dabei zusehen, wie Skeletor auf der Suche nach dem Schwert der Macht mit seiner Armee Eternia überfällt und Castle Greyskull übernimmt. Im letzten Moment gelingt es der Zauberin, ihn und das Schwert durch ein Portal zur Erde, der Heimatwelt seiner Mutter, zu schicken.
Doch im Sog des Portals verliert der Junge das Schwert und verbringt die nächsten fünfzehn Jahre damit, es auf der Erde zu suchen. Um auf der Erde zu überleben, hat er einen Job und lernt in der Personalabteilung die Welt der Menschen kennen. Bis er eines Tages das Schwert findet und in seine Heimat zurückkehren kann, um Etherina von Skeletors Herrschaft zu befreien.

Viel wird uns nicht erzählt von Adams Zeit auf der Erde, doch wir wissen, zu was für einem Mann er geworden ist. Einer, der im Rosa-Hemd im HR herumläuft und versucht, Konflikte mit Worten zu lösen. Der versucht im grauen Sweatshirt im Fitnessstudio, sich zumindest ein bisschen fit zu halten.
So ist er also unser Kino-”Prinz Adam”. Er wirkt ein wenig trottelig und spielt es, im Gegensatz zum Zeichentrick He-Man nicht. Doch es passt, um den Spagat zwischen den Welten zu nehmen.

Denn die Welt von Eternia, die wir kennenlernen, ist geprägt durch die Wahrnehmung eines zehnjährigen Prinzen, der nicht so ganz in diese Welt hineinpassen will. Die Welt uns Zuschauern so zu erklären, ist insgesamt ein wunderbarer Kniff. Wir erinnern uns, wie die Figuren aus der Masters of the Universe Welt heißen? Ram-Man, Mechaneck und Fisto ergeben als Namen für jemanden, die aus Erinnerungen eines Zehnjährigen stammen, plötzlich Sinn, egal wie obskur sie sind. Das ist der beste Einfall des Films, denn damit wird die größte Herausforderung gelöst: Wie erkläre ich die eindimensionale Schwarz/Weiß-Welt dieser Spielzeug-Reihe, in der so wenig Sinn ergibt und alles über Schablonen statt tiefen Figuren funktioniert.
Folgerichtig wählen sie den gleichen Ansatz für das Männerbild, das wir von Eternia gezeigt bekommen. Du musst der Stärkste im Raum sein, und alle Probleme können mit dieser Kraft gelöst werden.

Es tut dem Film gut, dass er sich selbst nicht ernst nimmt und dies auch direkt zu Beginn klar macht. Und so unterhaltsam ich den Film dadurch finden konnte, scheitert er leider immer wieder an der Limitierung der Vision des Filmschaffenden. Knight der sich für die Regie verantwortlich zeichnet, feierte seine größten Erfolge im reinen Animationsbereich. Scheinbar haben seine Erfahrungen mit Bumblebee aus dem Transformersfranchise acht Jahre zuvor nicht ausgereicht. Obwohl die Welt von Eternia bunt und vielfältig ist, wirken die Bilder und Set-Designs oft eben nicht. Bilder wirken oft zu nah und nach Fernsehserie.

Überrascht war ich, dass Jared Leto als Skeletor ohne zu sehen zu sein, doch erkennbar war. So ein Overacting passt zu dem Film, vor einigen Jahren noch hätten wir vermutlich Nicolas Cage in dieser Rolle gesehen. Als Gegenspieler von Eternias Helden war er eine wahre Freude. Gleiches gilt für Alison Brie, die als Evil-Lyn an seiner Seite brilliert und die Cliché-Gehilfin mimt. IdrisElba wirkt dafür genauso unterfordert, wie das Kostümdesign aussieht.

Masters of the Universe schafft es durch eine gute Mischung aus Leichtigkeit, Nostalgie und Selbstironie, das Franchise in einen wunderbaren Kinoabend zu bringen. Da kann man fast verschmerzen, dass der Film immer dann am schwächsten ist, wenn er eine Ebene über “Lass uns Dinge mit Gewalt” und „Seht her, wie kräftig ich bin“ einziehen möchte und damit versucht, He-Man in die Neuzeit zu transformieren. Andere Spielzeug-Verfilmungen wie Power Rangers bekamen das beide Male deutlich schlechter hin.

Original: Masters of the Universe
Regie: Travis Knight
Drehbuch: Chris Butler, Aaron Nee, Adam Nee
Darsteller: Nicholas Galitzine, Idris Elba, Camilla Mendes, Jared Leto, Alison Bree
Laufzeit: 141 Minuten
FSK ab 12 Jahren
Kinostart: 04. Juni 2026
IMDb Wertung 7.1 (06.06.2026)
Kinotrainer in deutscher Sprache bei Kinocheck.de

Asa hat die letzten sechs Jahre ihres Lebens verloren. Jetzt ist sie wieder frei und macht sich auf den Weg, eine Tradition zu zerstören, die ihre Gemeinschaft seit Generationen prägt und zum Tod unschuldiger Menschen geführt hat.

Als ich Asa anfing zu lesen, wusste ich wenig. Cooles Cover, steht groß Thriller drauf und das Buch heißt wie meine Tante. Sowohl der Klappentext als auch der Text, den ich euch jetzt als Inhaltsangabe gegeben habe, lesen sich wie ein klassischer Rachethriller.

Und das ist auch richtig, und gleichzeitig habe ich mich geirrt. Bereits nach einigen Kapiteln wird klar, dass Asa nicht die einzige Hauptfigur in diesem Roman ist. Sie ist unser Anker, um den sich die über 100-jährige Geschichte der Familie Kolbert erzählen lässt und der zwei Weltkriege einbezieht. Drvenkar nutzt seine fast 700 Seiten weise und erzählt uns die Geschichte nicht chronologisch, sondern wie sie sich dem allwissenden Erzähler und auch Asa erschließt: logisch, aber immer bruchstückhaft. Bis wir und auch Asa das ganze Bild erkennen können.

Auf dieser Reise stellt uns der Roman Fragen. Was geben wir von einer Generation in die andere weiter, wenn das Leben nicht immer leicht zu dir ist? Was, wenn du so weit weg vom Ursprung bist, dass die Geschichten und Traditionen zum Zerrbild werden und doch die erste Generation widerspiegeln? Entweder im Großen in unserer Gesellschaft oder im Kleinen bei einer Beziehung zwischen zwei oder drei Menschen.

Der Roman hat bereits mehrere Preise gewonnen und ist für weitere nominiert. Das Label Thriller wirkt für mich nach dem Lesen zu wenig, er ist so viel mehr, unter anderem ein Generationenroman.
Immer wieder erwischte ich mich dabei, doch ein paar Seiten weiterzulesen, als die Müdigkeit im Bett mich eigentlich gelassen hätte. Immer wieder freute ich mich darauf, die Menschen durch die Zeit wiederzuentdecken. Manchmal, weil ich schon wusste, wie jemand sein wird, manchmal, weil mich interessierte, wie der Mensch zu dem geworden ist.
Nur kurz war ich von Zoran Drvenkars Art, Dialoge zu schreiben, irritiert. Er leitet die sprechenden Personen mit einem Spiegelstrich ein. Das war mir so vorher noch nicht begegnet, fügt sich jedoch wunderbar in den Rhythmus seiner Sprache ein. Denn wie die Dialoge fühlt sich die Sprache roh und direkt an, ganz eben wie der Erzähler es braucht, um Asa zu adressieren, denn die Geschichte wird nicht uns Lesenden, sondern ihr erzählt. Und wir als Lesende dürfen dabei sein, aus der zweiten Reihe, in sicherer Entfernung.

Originaltitel: Asa
Autor: Zoran Drvenkar
Erschienen: August 2025
Ausgabe: Hardcover
Verlag: Suhrkamp
ISBN 978-3-518-47511-9
Buch auf der Verlagswebseite: Klick mich

John Davidson ist ein typischer Jugendlicher. Wir lernen ihn kennen, als er in die Schule „für die großen Jungs“ kommt. Er trägt Zeitungen aus, er hat Träume. Ein Scout für eine Profifußballmannschaft in Schottland kommt in Kürze, um ihn spielen zu sehen, und dann ist da noch dieses Mädchen, das er interessant findet und zum Kino einlädt.
Dann wendet sich das Blatt, denn mit der Pubertät beginnen die Ticks. Erst als nur rein physisch, ein kleines unkontrolliertes Zucken hier und da. Wenig später kommen die unkontrollierten Worte hinzu, die nicht immer, aber oft auch Flüche sind.
John erfährt diesen Wandel in den 1980er Jahren, einer Zeit, in der ihm gesagt wird, er solle sich zusammenreißen, denn wenn Menschen wie er das nicht täten, dann würden sie nichts im Leben.
Wenig später macht der Film einen Zeitsprung und wir sehen John als jungen Erwachsenen mit seiner Mutter einkaufen. Dabei trifft er auf Murray, einen Schulfreund, der für längere Zeit in Australien war. Murray zeigt Verständnis für Johns Erkrankung und zeigt John damit zusammen mit seiner Familie eine neue Perspektive. Von hier an begleiten wir John auf seiner inspirierenden Reise, in der er eine Hilfsanstellung als Assistent des Hausmeisters Tommy findet.

Verflucht normal ist kein lauter Film. Doch schafft er es bei mir in jedem Moment, genau in dieser Lautstärke die richtige Tonalität zu treffen. Etwa wenn ich mich mit betroffen fühle, wenn Johns Familie nicht mit ihm umgehen kann. Die Gesamtbreite an möglichen Emotionen zu Johns Ticks, in denen der Film mich manchmal lachen lässt und manchmal schon gespürt wird, dass die Situation gleich kippen könnte, bevor sie es überhaupt tut. Immer sind wir emotional nah dran an unserer Hauptfigur.
Das liegt zum einen an Robert Aramayo, den ich bisher nur als jungen Elrond in Ringe der Macht gesehen habe und der sich mit der Leistung in diesem Film für zukünftige Rollen empfiehlt. Zum anderen an der Regie, dem Drehbuch und damit der Geschichte selbst. Kirk Jones läuft lange nach Lang lebe Ned Devine endlich wieder zur Bestform auf, denn er schafft es, dass nahezu alle Darsteller eine gute Leistung bringen, die Bilder den Film unterstützen und so nie der Film selbst, sondern immer seine Menschen und die Botschaft im Vordergrund stehen.
Ganz so, wie sich der echte John Davidson es sich wünschen dürfte, schafft der Film Bewusstsein für Tourette, auf einer menschlichen Ebene und ist dabei eine großartige Inspiration.

Bei den Britischen Filmawards (BAFTA) mussten sich das Drehbuch Blood & Sinners und der Film Hamnet als bester britischer Film geschlagen geben. Den Sieg für Verflucht normal fuhren seine beiden wichtigsten Darsteller ein. Robert Aramayo (Bester Hauptdarsteller) und Peter Mullan (Bester Nebendarsteller) in der Rolle des Hausmeisters Tommy brillieren und überstrahlen den auch sonst guten Cast, der ebenfalls ausgezeichnet wurde.

Ich wünsche es dem Film und euch, dass er es doch in die Multiplex-Kinos dieses Landes schafft und ihr so leicht Zugang findet. Er erzählt die vielleicht herzlichste und menschlichste Geschichte des Jahres.

Original: I swear
Regie: Kirk Jones
Drehbuch: Kirk Jones
Darsteller: Robert Aramayo, Peter Mullan, Maxine Peake und weitere

Laufzeit: 120 Minuten
FSK ab 12 Jahren
Kinostart: 28. Mai 2026
IMDb Wertung 8.4 (25.05.2026)
Kinotrainer in deutscher Sprache

Ulysses Richardson ist ein ehemaliger Sheriff, der nun durch die USA zieht und als Aushilfssheriff arbeitet, wenn der eigentliche Sheriff etwa frühzeitig verstirbt. Dann wird bis zur nächsten Wahlperiode durch ihn überbrückt. Ulysses’ neuester Job bringt ihn in die Kleinstadt Normal in Minnesota. Ein scheinbar verschlafenes Nest, doch bereits in den ersten Tagen bekommt er das Gefühl, dass hier irgendetwas nicht stimmt. Was genau, kann er zu Beginn jedoch nicht richtig greifen.

Und damit geht es ihm wie mir, mit Normal. Wir beide taumeln orientierungslos durch diese Kleinstadt und versuchen, zu verstehen, was das soll. Ich habe vom Trailer her einen klassischen Actionfilm erwartet, nicht zuletzt, weil der Autor Derek Kolstadt John Wick und Nobody geschrieben hat. Normal will sich jedoch nicht so richtig entscheiden, was für ein Film er sein will, und betont dadurch keine seiner Persönlichkeiten richtig und verfällt am Ende in drei Teile. Das ist bei einem 90-Minuten-Streifen schon ziemlich viel. Die Action dominiert lediglich das zweite Drittel. Das erste nimmt sich ausführlich Zeit für die Einführung und versucht hier, mit lockerer Skurrilität ein Tor zu öffnen, durch das ich am Ende jedoch nur das Gefühl hatte, durchzusehen, statt durchzugehen.
Handwerklich ist der Film solide gemacht und auch Odenkirks Spiel passt zur Rolle des freundlichen Ersatz-Sheriffs mit Last auf dem Rücken, doch letztlich ist der Funke für mich nicht übergesprungen. Es ist eben kein Nobody.

Die neue Reihe von Werbefilmer Simon McQuoid verspricht kein Arthouse Kino, doch wer will das auch schon bei dieser Vorlage? Kurz vor dem Kinostart des zweiten Teils habe ich mir zur Vorbereitung den ersten noch einmal angeschaut. Das war gut so und würde ich jedem empfehlen, der ins Kino möchte.

Teil eins beschäftigte sich mit der Zeit vor dem Turnier, Rekrutierung der Kämpfer, Einführung vieler Figuren. Mortal Kombat II nimmt den Faden ziemlich genau dort auf, wo wir unsere Helden verlassen haben. Nach Kenos Seitenwechsel im ersten Teil heißt es nun kurz vor dem eigentlichen Turnier um die Welt, einen neuen Kämpfer zu finden. Diesen finden sie im aus der Zeit gefallenen Actionfilmstar Johnny Cage. Und dann geht es auch ziemlich schnell zum Turniermodus.

Die meisten Kritiker finden diesen Film furchtbar. Und nachdem ich ihn gesehen habe, verstehe ich es. Zwar beurteilen Kritiker Werke auch innerhalb der Welt des Werkes, doch gilt ihr Hauptaugenmerk der Filmkunst selbst. Und hier kann MKII kaum Punkte sammeln. Fast alle Hintergründe sind eher schlecht computergeneriert. Das könnte Absicht sein, um dichter an den Look der Spiele heranzukommen, wirkt dann jedoch zu inkonsequent durchgeführt. Generell wirkt die visuelle Qualität gegenüber dem ersten Teil dadurch für mich abfallend.

Ich sah den Film zudem auf Deutsch und musste immer wieder schmunzeln, denn die bewusst nicht übersetzten Momente wirken dadurch etwas albern. “Finish him!” ist einer der bekanntesten Aussprüche von Mortal Kombat, wirkt wie aus dem Nichts, als Sprachwechsel für mich deplatziert. Zeigt eindrücklich, wie schwierig der Transfer von Kultmarken in andere Sprachen ist, ohne dabei einen gewissen Cringe-Faktor zu entwickeln.
Die Entscheidung, die neue Verfilmung als Trilogie aufzubauen, war die richtige. Trotzdem hat der Film mich zwischen Rekrutierung von Cage und Start des Turniers ein wenig überrumpelt. Neue Figuren fühlen sich hektisch eingeführt. Gleichzeitig verschwinden Figuren aus dem ersten Teil ziemlich schnell aus dem Leben. Nicht sehr überraschend bei einem Turnier auf Leben und Tod, doch trägt das zu meinem Missempfinden beim Pacing bei. Der eine oder andere Kampf hätte länger dauern können.

Größter Lichtblick neben der Figur der Sonya Blade, die den ersten Teil am meisten trug, ist überraschenderweise Johnny Cage. Karl Urban spielt mal wieder etwas und zeigt uns die JCVD‑Persiflage mit seinem eigenen Stempel. Mit ihm erlebte ich die für mich unterhaltsamste Zeit im Film.

Aktuell steht der erste Film bei einem IMDB‑Rating von 6,1 und der zweite bei überraschenden 7,0. Das zeigt zum einen, dass der zweite Teil die Action aufdreht und dadurch zur Marke passend zugänglicher ist, zum anderen, dass die Fangemeinde nun das sieht, was sie sich erhofft hat. Splatterkämpfe und MK‑typische Sprüche.

Vielleicht brauchten wir auch einfach nur mal wieder einen blutigen, inhaltsleeren Actionstreifen und vielleicht auch genau dafür eine JCVD‑Persiflage.

Wir begleiten Julien, der sich als westlicher Fotograf in Gaza befindet. Der Startzeitpunkt Geschichte ist nur grob auf einen Zeitraum vor dem 07. Oktober 2023 und damit vor dem Terrorangriff der Hamas auf Israel festgelegt. Während Julien durch die Straßen von Gaza (Stadt) wandert, entdeckt er den Buchhändler Nabil, der vor seinem Laden sitzt und liest. Er möchte ein Foto von ihm machen und bittet ihn dafür um Erlaubnis. Der ältere Mann, dessen Name Nabil ist, schlägt vor, dass er dafür zunächst seine Geschichte kennenlernen müsse. Von da an erzählt Nabil Julien die Geschichte seines Lebens über mehrere Tage.

Alles ist Bruchstück: ihre Gespräche, die wenigen Bissen, ihre verschütteten Erinnerungen. So viele Momente, die sie der Zeit dieser Ironie der Zerstörung entrissen haben. Manchmal steht jemand hektisch auf und durchsucht die Trümmer nach plötzlich Unverzichtbarem.

Richard Benzin erzählt die Geschichte aus Julians Perspektive, allerdings wählt er dabei die direkte Ansprache. “Du gehst die Straßen von Gaza entlang”. Wir sind Julien, das nimmt der Geschichte ihre Distanz und setzt uns ihr unmittelbar aus. Die Lebenswelt von Menschen in Gaza kann uns ferner in Deutschland, in Westeuropa, nicht sein. Nabil ist geboren, kurz bevor er seine Heimat verlassen musste. Seine ersten Kindheitstage verbringt er in Lagern. Später in einem improvisierten Staat, der niemals ganz ist. Jetzt gerade ist Gaza wieder in unserem Fokus, doch immer wieder verlieren wir ihn und vergessen, dass der Nahe Osten existiert, dass diese chaotische Lebenswelt existiert. Benzin macht Nabil zum Stellvertreter und die Geschichte wird von ihm in einer direkten, trotzdem fast poetischen Sprache erzählt. Eine Sprache, die es schafft, mich in den insgesamt 128 Seiten emotional zu berühren, sodass ich tatsächlich feuchte Augen beim Lesen bekam. Eine klare Empfehlung, dieses Buch zu lesen.

Sowohl Plakate als auch Trailer lösten gemischte Gefühle in mir aus. Passen die beiden überhaupt als Paar? Kommt hier eine High-End RomCom? Zendaya taucht, nicht zu Unrecht, in gefühlt jedem zweiten Film auf. Doch mein heimlicher Star hier ist Pattinson. Seit ich ihn an der Seite von Willem Dafoe in Der Leuchtturm gesehen hatte, war er auf meinem Radar als guter Schauspieler. Die Twilight-Reihe hatte ich zum Glück ausgelassen, sodass ich kein Glitzer sehe, wenn ich ihn ansehe. Das hilft bei Das Drama definitiv.

Charlie und Emma wollen heiraten. In Das Drama lernen wir sie mitten in ihren Hochzeitsvorbereitungen kennen. Natürlich wird es eine Hochzeit, wie wir sie aus dem amerikanischen Kino gewohnt sind. Insofern ist viel vorzubereiten. Eine Woche vor der Hochzeit wird mit den Brautzeugen, einem befreundeten Ehepaar, ein Probeessen veranstaltet. Und während die letzten Speisen ausgewählt werden, fließt der Alkohol. In der nun lockeren Runde kommt es zur Frage, die jetzt konstruiert klingt, sich aber im Film beiläufig und authentisch ergeben hat: Was ist das Schlimmste, das du je getan hast? In der Folge entfaltet sich das wahre Drama.

Ohne die Sache hier konkret zu benennen, entfaltet sich der Film jetzt um die Frage, wer wir sind. Was verändert das Wissen über einen anderen Menschen, wie wir zu diesem stehen? Besonders, wenn das, was wir erfahren, Jahre her ist? Ab wann hat unsere Vergangenheit nichts mehr mit der Person zu tun, die wir heute sind? Worin verlieben wir uns überhaupt? In den Menschen? In die Idee, die wir von ihm haben?
Zendaya und Robert Pattinson haben es geschafft, dass wir diese Fragen alle mitdurchleben. Selten hatte ich ein so starkes Gefühl dafür, wie sich die Chemie, die Dynamik zweier Darsteller zueinander über den Verlauf ändert.

Dies ist definitiv einer der Gründe, aus denen Das Drama es geschafft hat, das Publikum in seinen Bann zu ziehen. Kaum hatte der Vorspann eingesetzt, wurden wir von einer ruhigen Masse zu einem wild brabbelnden Haufen. Jeder hatte Redebedarf, und das ist das Beste, was ein Film wie dieser sich erhoffen kann. Auch unsere kleine Dreiergruppe hatte Bedarf zum Austausch. Ich liebe es, wenn ein Film so etwas in einem auslöst.

In einer Welt, in der wir in einem scheinbar unendlichen Kreislauf von Krise zu Krise wandern, möchte Dirk Steffens in seinem kurzen Band einen “ziemlich wissenschaftlichen Blick in die Zukunft” werfen und uns darüber aufklären, dass die Welt vielleicht gar nicht so schlecht ist, wie wir denken.

Delfine dichten nicht, obwohl ihr Gehirn nicht sehr viel kleiner ist als unseres.

Dirk Steffens’ blickt dabei auf unsere Welt in drei Akten. Das macht nicht immer so gute Laune wie beim obigen Delfin-Zitat. Episoden wie diese machen das Buch jedoch zu einem launigen Exkurs. Hier auf Substack hat mich jemand gefragt, ob ich mich jetzt glücklicher oder optimistischer fühle. Nein, nicht direkt, doch wäre ich es gerne. Ich glaube, es geht Steffens gar nicht darum, uns „umzudrehen“, vielmehr darum, den Blick zu öffnen für das, was da ist. Denn auch hier geht es wieder darum, zu erkennen, dass wir einen ständigen Bias haben. Der Urmensch hat viel mehr den Fokus auf negative Dinge legen müssen, um zu überleben. Das ist nun wirklich nicht mehr notwendig. Aber mit diesem negativen Blick auf die Welt sind noch ganz viele Punkte gekommen, in denen wir uns selbst austricksen und es vielleicht sogar direkt dabei merken, jedoch in unseren Mustern gefangen sind. Insofern ist die Botschaft klar, die Welt ist gar nicht so schlecht, wie wir sie wahrnehmen. Die Beispiele von Dirk Steffens sind treffend und lebensnah. Die Sehnsucht nach einem optimistischeren Blick auf die Welt ist da, das allein zeigt auch, dass Steffens mit diesem Buch auf großer Lesetour war.

Nach der Lektüre wirkt Hoffnungslos Optimistisch als der perfekte Einstieg für jemanden, der in das Thema einsteigen möchte. In vielen Punkten fühlte ich mich beim Lesen an Rutger Bregmanns Im Grunde Gut und Utopien für Realisten erinnert. Und auch wenn Steffens Buch wunderbar ist und ein paar neue Blickwinkel mitbringt, kann ich nicht umhin, zu denken, dass es doch eher der schnelle Burger ist und Bregmanns Bücher ein Fünf-Gänge-Menü. Beide beleuchten ähnliche Themen, nur lässt Bregmann seine Gedanken noch viel mehr links und rechts auslaufen und malt dadurch eine größere Landschaft.

Die Story, die uns dafür den Rahmen gibt, ist nicht wirklich neu. Die Mutter von Becket stammt aus einer reichen Familie. Als sie sich jedoch in einen Cellisten verliebt und von diesem auch noch schwanger wird, gibt es für den Familienvater nur eine Lösung. Das Kind kommt weg oder eben du. Doch nur weil Becket und seine Mutter aus der Familie ausgegrenzt werden, heißt es noch lange nicht, dass sie auch vom Erbe ausgeschlossen sind. Es ist festgelegt, dass immer der älteste Erbe der Redfollows Zugriff auf das Geld der Stiftung und damit auf allen Besitz der Familie erhält.

Was jetzt folgt, ist wenig überraschend, denn nun erzählt uns Becket seine Geschichte im Zehn kleine Jägermeister Stil und ein Verwandter nach dem anderen muss das Feld räumen. Leider war der Film nicht so bissig-lustig, wie ich es mir erhofft hatte. Selbst die paar Menschen, die mit mir in der Nachmittagsvorstellung saßen und bereits die Trailer unfassbar komisch fanden, konnten lediglich an ein paar Stellen lachen. Ich will damit nicht sagen, dass der Film langweilig war, die Zeit im Kino war durchaus kurzweilig, doch waren wir hauptsächlich im Schmunzel-Segment unterwegs. Positiv fällt mal wieder Jessica Henwick auf, die den meisten eher aus den Netflix-Marvel-Serien als Coleen bekannt sein dürfte. Es war schön, sie wieder mal in einem besseren Film zu sehen. How to Make A Killing unterhält dich an einem regnerischen Nachmittag, wird jedoch nie ein Film sein, der dich als Geheimtipp ins Kino lockt. Das und die Masse an Kinogängern, die mit mir im Kino saß, lassen mich auf einen Film schließen, der eher später im Streaming sein Publikum findet, ohne explizit dafür gemacht zu sein.

Gigio ist zwölf Jahre alt und wie jeden Sommer fährt die Familie, bestehend aus seinen Eltern und seiner Schwester, an die ligurische Küste in die Ferien. Doch etwas ist anders.
Der Sommer 1972 scheint zu platzen vor Energie und Ereignissen. Schachspieler Bobby Fischer vollbringt ein Wunder und es finden die Olympischen Spiele in München statt. Der sportbegeisterte Gigio sammelt die bunten Klebebilder leidenschaftlich, um alle Fakten auswendig zu lernen, sein Weg, um optimal auf die Spiele vorbereitet zu sein. Doch Gigio bemerkt Veränderungen an sich, und als dieses Jahr die ein Jahr ältere Astel mit ihrer Mutter den Sonnenschirm neben dem seiner Familie bezieht, rücken Sportler für ihn in den Hintergrund.

Soweit die grobe Story und soweit wenig Ungewöhnliches für eine Coming-of-Age-Geschichte. Bereits im Klappentext erfährt man als geneigter Leser noch mehr Informationen, die den Rahmen dieser Handlung bilden. So stammt zum Beispiel Astels Mutter aus Äthiopien und ist damit wie ihre Tochter im Italien der 1970er Jahre genauso auffällig wie Gigios blasse, rothaarige Mutter. Der damit einhergehende Rassismus ist jedoch nicht das vordergründige Thema von Gigios Geschichte des Erwachsenwerdens. Der Titel Schwarzer September spielt viele Ebenen an. Der Name der Terrorgruppe, die das Attentat in München verübt, gibt dem Titel die nötige Schwere, die der melancholische Blick zurück von Gigios erwachsenem Ich uns gibt. So reflektiert er direkt auf der ersten Seite:

Zum ersten Mal erwischte die Welt mich direkt, ungefiltert – und die Welt versengt dich, sie ist ein loderndes Feuer, und das wusste ich nicht, denn bis dahin hatten sich meine Eltern immer dazwischen gestellt.

Dieser Satz ist auch ein Beispiel dafür, wie gelungen ich die Übersetzung von Karin Krieger empfinde. Selten hat mich ein Satz auf einer ersten Seite so mitgerissen wie dieser. Natürlich sind es Veronesis Worte, doch ist Übersetzung mehr, als nur mit einem Wörterbuch Texte Wort für Wort durchzugehen. Da Übersetzungen zwischen Englisch und Italienisch immer wieder Thema zwischen Astel und Gigio sind, gefällt es mir umso mehr, dass auch der Roman selbst eine gelungene erhalten hat.

Das Buch hat mir in Summe sehr gefallen. Die Stimmung der 1970er Jahre in Italien ist wunderbar eingefangen. Ich fühle die Energie der Musik der Zeit, sehe die akkurat aufgestellten Sonnenschirminseln am Strand von Fiumetto. Der Anfang des Buches ist bewusst langsam gewählt. Veronesi lässt Astel erst nach einer ganzen Weile auftauchen, und so prägt Gigios Alltag im Urlaub neben der Routine seiner Mutter vor allem Langeweile. Das war für mich als Leser zunächst eine kleine Hürde, durchzukommen, lässt das Durchwirbeln seines Lebens durch Astel jedoch nur noch stärker fühlbar machen.

Ich hätte mir gewünscht, dass der erwachsene Gigio, aus dessen Sicht die Geschichte erzählt wird, etwas mehr über den Rassismus reflektieren lassen würde. So hat er doch auch an anderen Stellen, den alten Gigio den jungen als “erbärmlich” bezeichnen lassen. Warum also nicht einen kritischen Blick auf das Verhalten der Personen in dieser Zeit werfen? Er schafft es ja auch, die Mutter gegen die “rassistischen Giftspritzen am Strand” schimpfen zu lassen.

Vielleicht hätte es das jedoch auch zu groß gemacht, um die Geschichte von Kind-Gigios größtem Unglück zu erzählen. Denn wir sehen die Geschichte, auch wenn sie von dem älteren Gigio erzählt wird, trotzdem mit der begrenzten Wahrnehmung eines Zwölfjährigen, der seine erste Liebe erfährt und dem die Welt ins Gesicht brennt.

Chris und seine Freunde wachsen in Solingen auf. Im Sommer 2006 ist er gerade 15 Jahre alt und es ist der Beginn der Sommerferien. Gerade droht sein Traum, einmal Fußballprofi zu werden, zu zerplatzen: Er wurde als zu schmächtig aussortiert. Seinen Schwarm sieht er nur aus der Ferne, auf Partys fühlt er sich einfach nur komisch und nicht dazugehörig. Und an genau diesen heißen Tagen des Sommers, fängt nicht nur das Leben, sondern auch unsere Geschichte an.

Kramer schrieb einen Roman, so prangt es auch groß auf dem Cover des Spiegel Bestsellers aus dem KiWi Verlag. Anhand der Eckdaten, ein paar Namen, sind autobiografische Züge klar belegt. Auf die Frage, was alles real ist, sagt er im kostenlosen Kundenheft von Hugendubel: „[…] viele von den Dingen die passieren, die habe ich auch wirklich so erlebt. Trotzdem finde ich es spannend, wenn meine Leser:innen nicht wissen, was davon ich bin und was nicht.”1
Wir werden also am Ende nicht aufklären können, was der Wirklichkeit entspricht.

Müssen wir das bei einem Coming of Age-Roman überhaupt? Hier wird bewusst, sehr nah an der eigenen Biografie geschrieben. Kramer hätte sich auch entscheiden können, alle Figuren anders zu nennen und in dem zwei Jahre währenden Schreibprozess analoge Szenarien zu nutzen. Denn für die Anlehnung an sich selbst spielt Fußball eine überraschend kleine Rolle in dem Buch. Insgesamt habe ich mich das erste Mal gefragt, ob ich vielleicht schon zu viel gelesen habe, um Kramers Buch großartig zu finden. Die Geschichte war für mich sehr vorhersehbar, lediglich eine Episode im letzten Drittel des Buches hat kurzes Feuer in mir entfacht. Damit stelle ich fest: Das Buch ist nicht schlecht, doch ich bin einfach nicht die Zielgruppe. Im April 2026 erscheint es als Taschenbuch, es wird sich gut verkaufen, viele Menschen werden es großartig finden. Ich freue mich für ihn, er hat zwei Jahre Arbeit in das Buch gesteckt und viele Jahre in die Karriere auf dem Fußballplatz gesteckt um die Reichweite dafür zu haben, die Version seiner Geschichte zu erzählen, die er (hoffentlich) am Besten fand.