Wir begleiten Julien, der sich als westlicher Fotograf in Gaza befindet. Der Startzeitpunkt Geschichte ist nur grob auf einen Zeitraum vor dem 07. Oktober 2023 und damit vor dem Terrorangriff der Hamas auf Israel festgelegt. Während Julien durch die Straßen von Gaza (Stadt) wandert, entdeckt er den Buchhändler Nabil, der vor seinem Laden sitzt und liest. Er möchte ein Foto von ihm machen und bittet ihn dafür um Erlaubnis. Der ältere Mann, dessen Name Nabil ist, schlägt vor, dass er dafür zunächst seine Geschichte kennenlernen müsse. Von da an erzählt Nabil Julien die Geschichte seines Lebens über mehrere Tage.

Alles ist Bruchstück: ihre Gespräche, die wenigen Bissen, ihre verschütteten Erinnerungen. So viele Momente, die sie der Zeit dieser Ironie der Zerstörung entrissen haben. Manchmal steht jemand hektisch auf und durchsucht die Trümmer nach plötzlich Unverzichtbarem.

Richard Benzin erzählt die Geschichte aus Julians Perspektive, allerdings wählt er dabei die direkte Ansprache. “Du gehst die Straßen von Gaza entlang”. Wir sind Julien, das nimmt der Geschichte ihre Distanz und setzt uns ihr unmittelbar aus. Die Lebenswelt von Menschen in Gaza kann uns ferner in Deutschland, in Westeuropa, nicht sein. Nabil ist geboren, kurz bevor er seine Heimat verlassen musste. Seine ersten Kindheitstage verbringt er in Lagern. Später in einem improvisierten Staat, der niemals ganz ist. Jetzt gerade ist Gaza wieder in unserem Fokus, doch immer wieder verlieren wir ihn und vergessen, dass der Nahe Osten existiert, dass diese chaotische Lebenswelt existiert. Benzin macht Nabil zum Stellvertreter und die Geschichte wird von ihm in einer direkten, trotzdem fast poetischen Sprache erzählt. Eine Sprache, die es schafft, mich in den insgesamt 128 Seiten emotional zu berühren, sodass ich tatsächlich feuchte Augen beim Lesen bekam. Eine klare Empfehlung, dieses Buch zu lesen.

Sowohl Plakate als auch Trailer lösten gemischte Gefühle in mir aus. Passen die beiden überhaupt als Paar? Kommt hier eine High-End RomCom? Zendaya taucht, nicht zu Unrecht, in gefühlt jedem zweiten Film auf. Doch mein heimlicher Star hier ist Pattinson. Seit ich ihn an der Seite von Willem Dafoe in Der Leuchtturm gesehen hatte, war er auf meinem Radar als guter Schauspieler. Die Twilight-Reihe hatte ich zum Glück ausgelassen, sodass ich kein Glitzer sehe, wenn ich ihn ansehe. Das hilft bei Das Drama definitiv.

Charlie und Emma wollen heiraten. In Das Drama lernen wir sie mitten in ihren Hochzeitsvorbereitungen kennen. Natürlich wird es eine Hochzeit, wie wir sie aus dem amerikanischen Kino gewohnt sind. Insofern ist viel vorzubereiten. Eine Woche vor der Hochzeit wird mit den Brautzeugen, einem befreundeten Ehepaar, ein Probeessen veranstaltet. Und während die letzten Speisen ausgewählt werden, fließt der Alkohol. In der nun lockeren Runde kommt es zur Frage, die jetzt konstruiert klingt, sich aber im Film beiläufig und authentisch ergeben hat: Was ist das Schlimmste, das du je getan hast? In der Folge entfaltet sich das wahre Drama.

Ohne die Sache hier konkret zu benennen, entfaltet sich der Film jetzt um die Frage, wer wir sind. Was verändert das Wissen über einen anderen Menschen, wie wir zu diesem stehen? Besonders, wenn das, was wir erfahren, Jahre her ist? Ab wann hat unsere Vergangenheit nichts mehr mit der Person zu tun, die wir heute sind? Worin verlieben wir uns überhaupt? In den Menschen? In die Idee, die wir von ihm haben?
Zendaya und Robert Pattinson haben es geschafft, dass wir diese Fragen alle mitdurchleben. Selten hatte ich ein so starkes Gefühl dafür, wie sich die Chemie, die Dynamik zweier Darsteller zueinander über den Verlauf ändert.

Dies ist definitiv einer der Gründe, aus denen Das Drama es geschafft hat, das Publikum in seinen Bann zu ziehen. Kaum hatte der Vorspann eingesetzt, wurden wir von einer ruhigen Masse zu einem wild brabbelnden Haufen. Jeder hatte Redebedarf, und das ist das Beste, was ein Film wie dieser sich erhoffen kann. Auch unsere kleine Dreiergruppe hatte Bedarf zum Austausch. Ich liebe es, wenn ein Film so etwas in einem auslöst.

In einer Welt, in der wir in einem scheinbar unendlichen Kreislauf von Krise zu Krise wandern, möchte Dirk Steffens in seinem kurzen Band einen “ziemlich wissenschaftlichen Blick in die Zukunft” werfen und uns darüber aufklären, dass die Welt vielleicht gar nicht so schlecht ist, wie wir denken.

Delfine dichten nicht, obwohl ihr Gehirn nicht sehr viel kleiner ist als unseres.

Dirk Steffens’ blickt dabei auf unsere Welt in drei Akten. Das macht nicht immer so gute Laune wie beim obigen Delfin-Zitat. Episoden wie diese machen das Buch jedoch zu einem launigen Exkurs. Hier auf Substack hat mich jemand gefragt, ob ich mich jetzt glücklicher oder optimistischer fühle. Nein, nicht direkt, doch wäre ich es gerne. Ich glaube, es geht Steffens gar nicht darum, uns „umzudrehen“, vielmehr darum, den Blick zu öffnen für das, was da ist. Denn auch hier geht es wieder darum, zu erkennen, dass wir einen ständigen Bias haben. Der Urmensch hat viel mehr den Fokus auf negative Dinge legen müssen, um zu überleben. Das ist nun wirklich nicht mehr notwendig. Aber mit diesem negativen Blick auf die Welt sind noch ganz viele Punkte gekommen, in denen wir uns selbst austricksen und es vielleicht sogar direkt dabei merken, jedoch in unseren Mustern gefangen sind. Insofern ist die Botschaft klar, die Welt ist gar nicht so schlecht, wie wir sie wahrnehmen. Die Beispiele von Dirk Steffens sind treffend und lebensnah. Die Sehnsucht nach einem optimistischeren Blick auf die Welt ist da, das allein zeigt auch, dass Steffens mit diesem Buch auf großer Lesetour war.

Nach der Lektüre wirkt Hoffnungslos Optimistisch als der perfekte Einstieg für jemanden, der in das Thema einsteigen möchte. In vielen Punkten fühlte ich mich beim Lesen an Rutger Bregmanns Im Grunde Gut und Utopien für Realisten erinnert. Und auch wenn Steffens Buch wunderbar ist und ein paar neue Blickwinkel mitbringt, kann ich nicht umhin, zu denken, dass es doch eher der schnelle Burger ist und Bregmanns Bücher ein Fünf-Gänge-Menü. Beide beleuchten ähnliche Themen, nur lässt Bregmann seine Gedanken noch viel mehr links und rechts auslaufen und malt dadurch eine größere Landschaft.

Die Story, die uns dafür den Rahmen gibt, ist nicht wirklich neu. Die Mutter von Becket stammt aus einer reichen Familie. Als sie sich jedoch in einen Cellisten verliebt und von diesem auch noch schwanger wird, gibt es für den Familienvater nur eine Lösung. Das Kind kommt weg oder eben du. Doch nur weil Becket und seine Mutter aus der Familie ausgegrenzt werden, heißt es noch lange nicht, dass sie auch vom Erbe ausgeschlossen sind. Es ist festgelegt, dass immer der älteste Erbe der Redfollows Zugriff auf das Geld der Stiftung und damit auf allen Besitz der Familie erhält.

Was jetzt folgt, ist wenig überraschend, denn nun erzählt uns Becket seine Geschichte im Zehn kleine Jägermeister Stil und ein Verwandter nach dem anderen muss das Feld räumen. Leider war der Film nicht so bissig-lustig, wie ich es mir erhofft hatte. Selbst die paar Menschen, die mit mir in der Nachmittagsvorstellung saßen und bereits die Trailer unfassbar komisch fanden, konnten lediglich an ein paar Stellen lachen. Ich will damit nicht sagen, dass der Film langweilig war, die Zeit im Kino war durchaus kurzweilig, doch waren wir hauptsächlich im Schmunzel-Segment unterwegs. Positiv fällt mal wieder Jessica Henwick auf, die den meisten eher aus den Netflix-Marvel-Serien als Coleen bekannt sein dürfte. Es war schön, sie wieder mal in einem besseren Film zu sehen. How to Make A Killing unterhält dich an einem regnerischen Nachmittag, wird jedoch nie ein Film sein, der dich als Geheimtipp ins Kino lockt. Das und die Masse an Kinogängern, die mit mir im Kino saß, lassen mich auf einen Film schließen, der eher später im Streaming sein Publikum findet, ohne explizit dafür gemacht zu sein.

Gigio ist zwölf Jahre alt und wie jeden Sommer fährt die Familie, bestehend aus seinen Eltern und seiner Schwester, an die ligurische Küste in die Ferien. Doch etwas ist anders.
Der Sommer 1972 scheint zu platzen vor Energie und Ereignissen. Schachspieler Bobby Fischer vollbringt ein Wunder und es finden die Olympischen Spiele in München statt. Der sportbegeisterte Gigio sammelt die bunten Klebebilder leidenschaftlich, um alle Fakten auswendig zu lernen, sein Weg, um optimal auf die Spiele vorbereitet zu sein. Doch Gigio bemerkt Veränderungen an sich, und als dieses Jahr die ein Jahr ältere Astel mit ihrer Mutter den Sonnenschirm neben dem seiner Familie bezieht, rücken Sportler für ihn in den Hintergrund.

Soweit die grobe Story und soweit wenig Ungewöhnliches für eine Coming-of-Age-Geschichte. Bereits im Klappentext erfährt man als geneigter Leser noch mehr Informationen, die den Rahmen dieser Handlung bilden. So stammt zum Beispiel Astels Mutter aus Äthiopien und ist damit wie ihre Tochter im Italien der 1970er Jahre genauso auffällig wie Gigios blasse, rothaarige Mutter. Der damit einhergehende Rassismus ist jedoch nicht das vordergründige Thema von Gigios Geschichte des Erwachsenwerdens. Der Titel Schwarzer September spielt viele Ebenen an. Der Name der Terrorgruppe, die das Attentat in München verübt, gibt dem Titel die nötige Schwere, die der melancholische Blick zurück von Gigios erwachsenem Ich uns gibt. So reflektiert er direkt auf der ersten Seite:

Zum ersten Mal erwischte die Welt mich direkt, ungefiltert – und die Welt versengt dich, sie ist ein loderndes Feuer, und das wusste ich nicht, denn bis dahin hatten sich meine Eltern immer dazwischen gestellt.

Dieser Satz ist auch ein Beispiel dafür, wie gelungen ich die Übersetzung von Karin Krieger empfinde. Selten hat mich ein Satz auf einer ersten Seite so mitgerissen wie dieser. Natürlich sind es Veronesis Worte, doch ist Übersetzung mehr, als nur mit einem Wörterbuch Texte Wort für Wort durchzugehen. Da Übersetzungen zwischen Englisch und Italienisch immer wieder Thema zwischen Astel und Gigio sind, gefällt es mir umso mehr, dass auch der Roman selbst eine gelungene erhalten hat.

Das Buch hat mir in Summe sehr gefallen. Die Stimmung der 1970er Jahre in Italien ist wunderbar eingefangen. Ich fühle die Energie der Musik der Zeit, sehe die akkurat aufgestellten Sonnenschirminseln am Strand von Fiumetto. Der Anfang des Buches ist bewusst langsam gewählt. Veronesi lässt Astel erst nach einer ganzen Weile auftauchen, und so prägt Gigios Alltag im Urlaub neben der Routine seiner Mutter vor allem Langeweile. Das war für mich als Leser zunächst eine kleine Hürde, durchzukommen, lässt das Durchwirbeln seines Lebens durch Astel jedoch nur noch stärker fühlbar machen.

Ich hätte mir gewünscht, dass der erwachsene Gigio, aus dessen Sicht die Geschichte erzählt wird, etwas mehr über den Rassismus reflektieren lassen würde. So hat er doch auch an anderen Stellen, den alten Gigio den jungen als “erbärmlich” bezeichnen lassen. Warum also nicht einen kritischen Blick auf das Verhalten der Personen in dieser Zeit werfen? Er schafft es ja auch, die Mutter gegen die “rassistischen Giftspritzen am Strand” schimpfen zu lassen.

Vielleicht hätte es das jedoch auch zu groß gemacht, um die Geschichte von Kind-Gigios größtem Unglück zu erzählen. Denn wir sehen die Geschichte, auch wenn sie von dem älteren Gigio erzählt wird, trotzdem mit der begrenzten Wahrnehmung eines Zwölfjährigen, der seine erste Liebe erfährt und dem die Welt ins Gesicht brennt.

Chris und seine Freunde wachsen in Solingen auf. Im Sommer 2006 ist er gerade 15 Jahre alt und es ist der Beginn der Sommerferien. Gerade droht sein Traum, einmal Fußballprofi zu werden, zu zerplatzen: Er wurde als zu schmächtig aussortiert. Seinen Schwarm sieht er nur aus der Ferne, auf Partys fühlt er sich einfach nur komisch und nicht dazugehörig. Und an genau diesen heißen Tagen des Sommers, fängt nicht nur das Leben, sondern auch unsere Geschichte an.

Kramer schrieb einen Roman, so prangt es auch groß auf dem Cover des Spiegel Bestsellers aus dem KiWi Verlag. Anhand der Eckdaten, ein paar Namen, sind autobiografische Züge klar belegt. Auf die Frage, was alles real ist, sagt er im kostenlosen Kundenheft von Hugendubel: „[…] viele von den Dingen die passieren, die habe ich auch wirklich so erlebt. Trotzdem finde ich es spannend, wenn meine Leser:innen nicht wissen, was davon ich bin und was nicht.”1
Wir werden also am Ende nicht aufklären können, was der Wirklichkeit entspricht.

Müssen wir das bei einem Coming of Age-Roman überhaupt? Hier wird bewusst, sehr nah an der eigenen Biografie geschrieben. Kramer hätte sich auch entscheiden können, alle Figuren anders zu nennen und in dem zwei Jahre währenden Schreibprozess analoge Szenarien zu nutzen. Denn für die Anlehnung an sich selbst spielt Fußball eine überraschend kleine Rolle in dem Buch. Insgesamt habe ich mich das erste Mal gefragt, ob ich vielleicht schon zu viel gelesen habe, um Kramers Buch großartig zu finden. Die Geschichte war für mich sehr vorhersehbar, lediglich eine Episode im letzten Drittel des Buches hat kurzes Feuer in mir entfacht. Damit stelle ich fest: Das Buch ist nicht schlecht, doch ich bin einfach nicht die Zielgruppe. Im April 2026 erscheint es als Taschenbuch, es wird sich gut verkaufen, viele Menschen werden es großartig finden. Ich freue mich für ihn, er hat zwei Jahre Arbeit in das Buch gesteckt und viele Jahre in die Karriere auf dem Fußballplatz gesteckt um die Reichweite dafür zu haben, die Version seiner Geschichte zu erzählen, die er (hoffentlich) am Besten fand.

Ein Mann aus einer postapokalyptischen Zukunft reist in die Vergangenheit, um die Welt zuretten. Er startet unmittelbar in der Nähe seines Ziels in einem Diner. Dort muss er die perfekte Kombination von Menschen rekrutieren, damit ihm sein Vorhaben gelingt. Unsere Geschichte beginnt am Anfang einer solchen Zeitschleife und nimmt uns dann mit auf die im Trailer versprochene wilde Fahrt. Und viel mehr sollte man auch für die Grundlage des Films nicht verraten.

Fest steht: Ich hatte unglaublich viel Spaß im Kino, weil viele Bausteine in diesem Film gut funktionieren. So trägt Rockwell zwar wieder eine großartige Performance vor, muss damit jedoch den Film nicht alleine tragen. Der Cast, allen voran die Auserwählten aus dem Diner, spielt wunderbar. Juno Temple, die mir am meisten bekannt aus Ted Lasso ist und sich seitdem immer weiter in den Vordergrund spielt, aber auch Zazie Beetz die mit They Will Kill You aktuell mit einer weiteren Produktion über die Leinwände flimmert.

Lest diesen Absatz nur, wenn ihr den wunderbaren ersten Trailer gesehen habt.2 Good Luck, Have Fun, Don’t Die unter Sci-Fi, Komödie und Action geführt. Und eigentlich, kann man dem Ganzen noch eine Satire-Ebene hinzufügen. Immerhin ist die Aussage, dass die Welt untergeht, weil die Smartphone-Zeit in Social Media oder virtuellen Welten immer größer wird, bis wir nur noch herumhängen und ein Großteil der Menschheit ausstirbt, gar nicht so weit hergeholt. Bereits 2002 gab es einen Fall in Südkorea, bei dem ein 24-Jähriger nach 86 Stunden am Stück Zocken verstorben ist, weil er weder richtig geschlafen, noch gegessen hatte.3 24 Jahre weiter in einer Welt mit viel mehr verfügbarer Ablenkung, ist es nicht unrealistisch, dass wir diesen Weg weitergehen und in der Good Luck-Version unserer Zukunft landen könnten.

In der Gegenwart ist Good Luck, Don’t Die, Have Fun genau der Kinospaß, den wir brauchen können, und ist absurd lustig, in einer gar nicht mehr so lustigen Welt.

Die Story des etwas über 90 Minuten langen Films lässt sich schnell zusammenfassen. Zazie Beetz’ Figur Isabel ist auf der Suche nach Arbeit und heuert als Dienstmädchen im mysteriösen New Yorker Hochhaus „The Vergil“ an. Relativ schnell wird klar, dass die Bewohner ein dunkles Geheimnis teilen. Das Gebäude verlangt regelmäßige Menschenopfer und man suchte sich ausgerechnet Isabel als neuestes Opfer aus. Doch die Nacht läuft nicht ganz wie von den Bewohnern erhofft, denn Isabel weiß sich stark zu wehren.

Der Film geht ein wenig nach dem Modus „Style over Substance“ vor, doch wenn wir ehrlich sind: Wer braucht denn viel Substanz bei einem Film dieses Genres? Ein wenig erschrecken, Lachen über absurde Situationen und Splattereffekte. Sogar die oberflächliche Handlung kann das Konstrukt ausreichend tragen. Dazu kommen frisch wirkende Aufnahmen, die die Choreografien toll in Szene setzen. Zusätzlich fährt Zazie Beetz ihre Performance so gut auf Punkt ab, wie sie in diesem Genre eben sein kann. Ich habe Lust, sie noch in anderen Filmen als Lead zu sehen.

They Will Kill You ist ganz sicher kein Meisterwerk und vielleicht auch kein Kultfilmpotenzial, auf jeden Fall ist die kurzweilige Horror-Action mit ihren comichaft überzeichneten Gewaltszenen ein Kinoabendspaß. Gepflegte Hirn-aus-Unterhaltung.

Teddy (Jesse Plemons) ist augenscheinlich ein wirrer Eigenbrötler, der glaubt, dass die bekannte Firmenchefin Michelle Fuller (Emma Stone) eine Außerirdische ist. In seinem Glauben bestärkt, entführt er sie gemeinsam mit seinem Cousin. Aus seiner Sicht ist dies die einzige Möglichkeit, die Welt vor dem Untergang zu retten. Was nun folgt, bewegt sich irgendwo zwischen Verhör, Wahnsinn und schwarzer Komödie.

Getragen wird dieser Trip durch das starke Schauspiel zweier Menschen, die hier klar im Zentrum stehen. Es überrascht mich, dass wir nur Emma Stone und nicht ihr starkes Gegenstück Jesse Plemons auf der Liste der Oscar-nominierten finden. Beide profitieren sowohl voneinander als auch von dem künstlerischen Rahmen, den Lanthimos’ Regie setzt. Starke Bilder im ungewöhnlichen 1,5:1 Bildformat kontrastieren die Figuren fantastisch. Immer wieder wird die Dramatik des Erzählten gekonnt durch den schwarzen Humor gebrochen. Plemons spielt den Verschwörungstheoretiker Teddy mit einer physischen Präsenz, die beeindruckend ist. Nicht nur wirkt er schmal und abgemagert, auch ist die Spannung in der Luft fast greifbar, wenn Stones Figur ihn immer wieder mit der realen Welt konfrontiert und seinen selbstsicheren „Ich allein verfüge über die echte Wahrheit“-Habitus ins Wanken bringt.

Alle Teile wirken so gut ineinandergreifend, man könnte fast vergessen, dass es sich “nur” um ein Remake des südkoreanischen “Save the Green Planet!” von 2003 handelt. Wer “Bugonia” noch nicht gesehen hat, sollte den Wikipedia-Artikel zu diesem Film eher meiden. Zwar unterscheiden sich beide Werke in einigen Aspekten, doch sollte man trotzdem tunlichst vermeiden, etwaige Twists oder Spoiler darüber zu erfahren. Insgesamt ist es jedoch nicht verwunderlich, dass “Bugonia” eine Nominierung für das „Beste adaptierte Drehbuch“ hat. Der Übertrag aus der südkoreanischen Kultur und die Aktualisierung einiger Aspekte sind wunderbar gelungen.

Für mich ist “Bugonia” eine klare Empfehlung. Zum Abschluss noch ein kleiner Fun Fact für die nächste Party unter Filmnerds: Bugonia ist ein stehender Begriff aus dem antiken Griechenland, der die Entstehung von Bienen aus toten Ochsen beschreibt – man glaubte damals, dass neues Leben aus toter Materie hervorgehen könne. Ein wirklich intelligenter Filmtitel.

Ryan Gosling spielt den in Deutschland namensgebenden Astronauten. Seine Figur Ryland Grace ist eigentlich Lehrer an einer Schule und unterrichtet Naturwissenschaften. Trotzdem erwacht er ohne Erinnerung, allein auf einem Raumschiff. Nach und nach kann er für sich rekonstruieren, dass er auf einer Mission ist, die Erde vor dem Sterben zu bewahren. Etwas sorgt dafür, dass die Sonne in 30 Jahren verdunkelt und es breitet sich im Weltraum aus. Er ist auf dem Weg zu dem einzigen Ort, bei dem das nicht so ist. Was macht diesen Ort so anders? Kann diese Information helfen, unsere Welt zu retten?

Bereits der Trailer spoilert, dass Grace nicht allein ist. Auf seiner Mission trifft er auf ein weiteres Wesen. Für mich war das ein kleiner Schock, denn ich hatte befürchtet, dass die Enthüllung, dass Grace auf einen Außerirdischen trifft, sich in eine lange Reihe unnötiger Trailer-Spoiler einreihen würde. Tatsächlich ist dieses Vorwissen nahezu egal, denn die Begegnung mit dem von Grace auf den Namen Rocky getauften Alien passiert relativ früh im Film.

Viele Dinge machen diesen Film zu einem besonderen Erlebnis. Zum einen wäre da Ryan Goslings Schauspiel, das sich wieder mal am oberen Ende seiner Talentskala wiederfindet. Weite Passagen des Films trägt er gekonnt allein und spielt wunderbar mit seinem computergenerierten Gegenpart. Womit wir auch bei der Frage sind, warum ausgerechnet Phil Lord und Christopher Miller die Richtigen für diesen Film sind. Ihre Vita wirkt bisher durchaus bunt. Bei den wenigen Regiearbeiten finden sich Animationsfilm und Komödie neben ein paar Serien-Episoden im Wechsel. Sonst kennen wir sie eher als Produzenten, zum Beispiel von Sonys großartigen „Spider-Man: A New Universe“-Animationsfilmen. Sony wählte sie letztlich auch aus, um „Der Astronaut“ zu vermarkten. Am Ende wirkt es ein wenig wie Vorbereitung, dass „Der Astronaut“ nun Animationsfilm durch die Figur von Rocky und Realfilm verbindet. Ohnehin wirkt der ganze Film wie eine Yin-Yang-Medaille, bei der immer alle Seiten im Gleichgewicht sind.

Humor und Ernsthaftigkeit, Animation und Realität sind nur zwei davon. Die Erzählstruktur, die ebenfalls zweigeteilt ist, ist eine weitere. Während wir Rocky und Grace dabei beobachten, wie sie versuchen, ihre Welten zu retten, erhalten wir immer wieder Einblicke in das, wie es dazu kam. Grace’ Erinnerungen kehren Stück für Stück zurück. Und auch hier sind Miller & Lord mit einem weiteren guten Paar gesegnet – Spannung und Entspannung geben dem Film das perfekte Tempo, das in den gut zweieinhalb Stunden nie Langeweile aufkommen lässt.

In vielen Magazinen wird „Der Astronaut“ bereits als der Film des Jahres gehandelt. Auf Rotten Tomatoes steht der Film sowohl beim Publikum als auch bei den Kritikern auf einem Score von über 95%. Das sind beste Voraussetzungen, um zumindest in der Top 10 für 2026 zu landen. Für den besten Film des Jahres ist es für mich im März noch ein wenig früh. Eine klare Sehempfehlung, insbesondere auf der Kinoleinwand, möchte ich natürlich dennoch geben. Ich sah den Film in einem IMAX-Saal und wir beide waren von den Bildern beeindruckt. Für Filme wie „Der Astronaut“ wurden Kinos gebaut.

Der vierzehnjährige Noah wächst in einem nicht näher bezeichneten Land auf, das vielleicht Irak sein könnte, in dem zu Beginn seiner Erzählung von den Mudschahidin das Kalifat ausgerufen wird. Von diesem Punkt aus begleiten wir Noah, der in einem Viertel lebt, in dem es viele Taubenzüchter gibt, zu denen auch er selbst gehört. Sein Onkel ist Leiter eines Taubenzüchtervereins und sein Vater hat einen Laden auf dem Basar. Noahs Welt verändert sich rapide und in seiner Gedankenwelt erleben wir den Wandel von einer offenen Gesellschaft zu einem von einem totalitären Regime geführten Staat. Insofern wundert es nicht, dass Khider hier bewusst eine einfache, jugendlichere Sprache wählt, bei der die Welt noch nicht ganz verstanden wird, das Verlangen nach Verständnis jedoch klar vorhanden ist. Es wirkt fast so wie Erzählungen aus einem Tagebuch, wenn die mal kurzen, mal langen Kapitel das Erleben Noahs schildern.

Abbas Khider ist im Irak aufgewachsen und in den 90er Jahren mehrfach von Saddam Husseins Regime wegen politischer Aktivitäten inhaftiert worden. Im politischen Exil trieb es ihn durch mehrere Länder, bevor er erst im Jahr 2000 in Deutschland Asyl erhielt. Er weiß also, wie es ist, in einem Regime aufzuwachsen, und hat aus der Ferne miterlebt, wie im Irak nach dem Ende des Regimes durch die nächsten Machthaber das Kalifat ausgerufen wurde. Doch öffnet uns dies nicht nur die Perspektive auf einen religiösen Staat, der das Leben mehr als nur durcheinanderbringt, sondern auf das Ankommen eines totalitären Staates per se. Die Religion setzt hier nur den Rahmen für die Regeln, die seine Bürger nun erleben. Leicht lässt sich diese Geschichte auch in den Anfang des Nationalsozialismus in Deutschland verlegen. Wie würde ein 14-Jähriger es hier erleben, wenn die Regeln plötzlich neu sind, ungewollte Bücher öffentlich verbrannt und Menschen auf offener Straße missbraucht werden?

Vermutlich wäre er genauso schockiert und irritiert wie Noah in dieser Geschichte. Genau aus diesem Grund ist dieses Buch eine klare Empfehlung. Denn ein Erlebnis außerhalb unserer Gesellschaft kann auch immer ein Spiegel in die Zukunft der unseren sein. Es wirkt fast notwendig, dass wir mit Noah mitfühlen und die Zeichen eines vielleicht negativen Gesellschaftswandels erkennen und aufhalten können. Wie wunderbar, wenn ein Spaziergang einem so großartig erzählte und unerwartete Perspektiven aufzeigen kann.